doblebarra

Hasta siempre a unos y bienvenida a otros

2012-01-02T14:28:00.000+01:00

Este 2011 ya se ha ido y con él las efemérides correspondientes. Por lo tanto, decimos adiós al celebradísimo "Año Victoria", pero no solo al del abulense universal, sino también al año de Philippe de Vitry (650 que nos dejó); Antoine de Févin y Johannes Tictoris (500 de su muerte); Jacopo Peri, Peter Philips y Philippe Rogier (de los que celebramos el 500 aniversario de su venida al mundo); Cornelius Canis (450 de su ausencia); Johannes Eccard (400 de su muerte, al igual que Victoria); Andreas Hammerschmidt (400 de su nacimiento, aunque se duda entre 1611 y 1612, parece que inclinándose ya muchos por esta última fecha); John Eccles, Francesco Gasparini y Giacomo Antonio Perti (300 años de su alumbramiento); Christian Gesit (300 de su fallecimiento); y William Boyce (300 desde que viniera a la vida).

Para muchos, este año -su año- ha pasado totalmente desapercibido y apenas se les ha dado más importancia de la que tuvieron en el resto de los años -muchos incluso en vida-. Ni siquiera algunos de gran importancia han visto mejorada su atención ni aumentada su discografía, lamentablemte, tendremos que seguir esperando para que eso suceda. Sin embargo, otros sí han corrido mejor suerte. Creo que dejaremos ya a un lado al gran Victoria, cuya importancia, realización de congresos y simposios, registros discográficos, presencia en programas de conciertos y festivales... se ha visto aumentada por un número que no somos capaces a atisbar. Pero también se ha dado importancia a Johannes Eccard, del que, por ejemplo, The Tallis Scholars han programado algunas de su obras en sus conciertos, además de que se han presentado cuatro nuevas grabaciones de su obra -dos en carus (una y dos), una en cpo y otra en MDG-; de Antoine de Févin nos ha llegado un interesante registro discográfico, por parte de Doulce Mémorie y Denis Raisin Dadre; a Philippe Rogier vienen prestándole especial atención Magnificat y Philippe Cave, que han publicado un par de discos coincidiendo con su efémride, el último de ellos es este; de Peter Philips se ha presentado un nuevo disco. Es muy posible que me deje varias grabaciones y evento más, pero mi conocimiento llega hasta este punto.

Pero como todo, cuando unos se van, otros vienen, y este 2012 será el año de los Johannes Ciconia, Juan de Anchieta, Jean Guyot, Adrian Willaert, Claudin de Sermisy, Jan Pieters Sweelinck, John Bull, Hans Leo Hassler, Giovanni Gabrieli, Juan de Araujo, Giovanni Giorgi, Franceco Geminiani... de los que esperamos una mejora en la atención a sus figuras, tanto en el apartado musciológico como en el interpretativo.

Para despedir adecuadamente el año, tuvo a bien escuchar un disco de Tomás Luis de Victoria, concretamente el último que The Sixteen y Harry Christophers le dedicaran a su figura, y que pude adquirir tras un concierto de los mismos. Un excelente disco:

Y para recibir este 2010, pues tenía dudas entre dos figuras: Sweelinck y Gabrieli. Finalmente me decidí por escuchar un disco ya clásico dedicado a Gabrieli, por los que probablemente han sido loos mejores embajadores de su obra, el Gabrilei Consort & Players de Paul McCreesh. Un disco impresionante:

Que este año nos traiga, pues, mucho de estas figuras para todos, pero que tampoco nos haga olvidar a aquellos que han pasado en el 2011. Que los casos de Victoria no sean solo flor de un "año", sino que nos sirvan para revalorizar y redescubrir de verdad a estos genios. Mientras, sigamos disfrutando de su hermosas música, año tras año.

...y sigue vivo...

2011-10-06T15:57:00.002+02:00

El genio abulense, del que tanto y tanto se está hablando este comienzo de curso -como no podía ser menos y el contenido de este blog tampoco-, está en este 2011 casi más vivo que nunca.
Hace pocas fechas se estrenó y anunció -aunque no todo lo necesario que hubiera sido deseable- una nueva página web dedicada a la figura del gran Tomás Luis de Victoria. Parece que se trata del portal de Internet definitivo en lo referido a esta magna figura de la música española y universal.

Creada, según se nos dice en la propia página, fruto de las inquietudes de un grupo de músicos, intérpretes, musicólogos y aficionados que deseaban crear un espacio virtual internacional sobre la figura del insigne compositor abulense, recogiendo en un único lugar la mayor cantidad posible de información sobre su vida y su obra para facilitar su accesibilidad y garantizar su continuidad. Se plantea así su puesta en marcha con motivo del IV Centenario de la muerte de Victoria, y su desarrollo durante el año del Centenario, hasta el 27 de Agosto de 2012. Desde ese momento, con contenidos plenamente consolidados, deseamos que pase a ser el lugar de referencia en el que, con aportaciones de todos sus visitantes, se ofrezca una información lo más completa posible sobre el autor.

El proyecto está auspiciado por el Conservatorio Profesional de Música Tomás Luis de Victoria de Ávila (España), como centro académico en cuyos servidores está alojado el contenido, y cofinanciado por el Excmo. Ayuntamiento de la ciudad natal del músico. Cuenta para su mantenimiento con un nutrido grupo de administradores que dedican una buena parte de su tiempo a gestionar de forma desinteresada los contenidos del Centro. Sin su colaboración este Centro Virtual no sería posible.

En el espíritu del Centro subyace la universalidad de la música de Victoria, y es por ello que todo el portal se ha construído con software de libre distribución, y todos los contenidos que en él se encuentran están libres de derechos, bajo una licencia Creative Commons.

Y con el objetivo claro de que los visitantes puedan encontrar aquí, con el tiempo y con la inestimable colaboración de la comunidad musicológica, en varios idiomas:

Una amplia información biográfica sobre el músico.
Su obra completa en partitura, en una transcripción de cierta calidad, y en facsímil siempre que ello sea posible.
Grabaciones en audio y vídeo de su música.
La bibliografía de referencia sobre Victoria.
Noticias sobre conciertos, ediciones, cursos, seminarios u otras actividades en torno a su figura.
Una selección comentada de la discografía de Victoria.
Artículos monográficos y estudios analíticos y estéticos.
Información sobre Victoria y Ávila, y también sobre su relación con las otras ciudades donde desarrolló su labor.
Foros de contacto y debate a disposición de musicólogos, intérpretes y aficionados.

Al ser un Centro vivo y abierto, queremos también ofrecer la posibilidad de que todos los intérpretes que lo deseen puedan remitirnos grabaciones de sus actuaciones, en audio o video, así como documentos que puedan resultar de interés para los visitantes del Centro, de forma que con el tiempo podamos ofrecer el Opera Omia de Victoria gratuitamente.

Empresa ambiciosa e ilusionante, deseamos poder desarrollar esta labor lenta pero inexorablemente, con ayuda de todos los que deseen hacer aportaciones, en un ejercicio de responsabilidad para con el que sigue siendo, cuatrocientos años después, el compositor español más interpretado del mundo.

   Dispuesta en varios apartados interesantes, allí podremos conocer sus datos biográficos, su obra, la discografía dedicada a su excelso corpus compositivo, noticias relevantes acerca de todo lo relacionado con su mundo, incluso podremos mantener interesantes y fructíferas charlas, a través del foro, con otros entusiastas de este personaje. En definitiva, todo acerca del mundo "victoriano". La página aún se encuentra en construcción, así que seamos pacientes.

   Creo que debemos estar muy contentos, pues esta página puede convertirse en una referencia, y si la unimos con la estupenda página que contiene todas las partituras del autor, entonces tendremos un tándem casi insuperable, que hará las delicias de apasionados, melómanos y exertos en la figura que nos ocupa.

   Recordemos que el CNDM -Centro Nacional de Difusión Musical- ya está inmerso en la realización de ese magnífico ciclo Victoria 400, que llevará la música del gran maestro por todo nuestro país durante los próximos meses, en una programación muy apetitosa. Uno de esos grandes eventos será el que trae al extraordinario conjunto inglés The Sixteen (Harry Christophers) de gira por seis ciudades de Castilla y León, bajo el auspicio del FIOCLE -Festival Internacional de Órgano Catedral de León-, con un precioso programa dedicado a la música del abulense.

Regocijémonos, pues, por este nuevo alumbramiento, que puede añadir todavía más luz y esperanza para reaviviar, como merece, la figura de este grande de la creación universal.

"Año Victoria" en The Choir Project (V)

2011-08-27T12:17:00.001+02:00

Tomás Luis de Victoria (1548-1611): O vos omnes a 4.
The Tallis Scholars - Peter Phillips.

   Al igual que en la publicación de ayer destacábamos las lamentaciones dentro de su Officium Hebdomadae Sanctae, en la primera de hoy, día en el que celebramos la efeméride de manera completa, pues justo hoy se cumplen los 400 años desde que Victoria abandonara este mundo y su alma entregada a la música y a Dios se despegase de su cuerpo para siempre, dedicaré esta primera entrada a sus responsorios de tinieblas, que completan de manera numerosas junta a las otras esa magna colección sacra.

   Los dieciocho responsorios de Victoria vienen a completar el ciclo de seis por cada día del Triduum Sacrum. El responsorio tiene una peculiaridad excepcional en sí misma, pues no procede nunca del canto gregoriano, sino que es una creación polifónica nueva como tal. Samuel Rubio los describe señalando las dos partes que lo integran: una llamada cuerpo del Responsorio, que lleva incorporado una frase breve -estribillo- que se repite; otra denominada verso, después del cual se repite el estribillo. Como señala el padre Rubio -y comenta Juan Luis de la Montaña-, entre el verso y el resto del Responsorio suelen apreciarse ciertas diferencias estilísticas. La más notable es que el cuerpo del Responsorio es de una polifonía muy sencilla, muy cercana a la homofonía. Por el contrario, el verso es de estructura polifónica de estilo imitativo.

   La disposición de sus dieciocho responsorios supone casi un hito en la elaboración de tal diversidad vocal en el Renacimiento, pues Victoria utiliza un esquema de plantilla muy interesante y diverso. El primero y tercero de cada grupo de tres está compuesto a 4 partes, para cantvs, altvs, tenor y bassvs, mientras que el segundo solo a tres partes, para cantvs, altvs y tenor. El pasaje que utiliza voces reducidas o pasajes solistas utiliza las siguientes disposiciones dependiendo de su orden: así, el grupo de solistas suele responder en número de tres líneas, aunque el primero de ellos corresponde a un dúo. El primero de cada tres está indicado para cantvs, altvs y tenor, mientras que el tercero lo está para altvs, tenor y bassvs. En el segundo de ellos, el maestro añade una línea extra de soprano, lo que nos reporta una prescripción de cantvs I, cantvs II y altvs y en otras ocasiones cantvs I, cantvs II y tenor. Esta variedad esquemática y estructural confiere a esta música una paleta de colores brutal, casi inigualable en otra colección de piezas sacras del Renacimiento.

   Los responsorios de Victoria son de una intensidad, de una carga dramática apabullante. El texto y la música van más unidos de la mano casi más que nunca, sin embargo, en muchas ocasiones la ayuda del texto es casi inexistente y sin embargo el maestro es capaz de crear algo maravilloso de la “nada”. Sorprende que la textura y la carga compositiva sea en muchos casos “sencilla”, es decir, con mucho desarrollo homofónico y apenas nada de contrapunto imitativo, y sin embargo, Victoria pueda mostrarnos y dibujarnos tantos estados de ánimos, tantas pasiones sobrevenidas en un espacio de tiempo tan corto y de una manera tan directa. Para Peter Phillips la clave de estos responsorios está en el texto y la relación de la música para con él, en la manera en que Victoria capta los acentos naturales y el discurso natural del texto, que desde luego tiene impacto per se. Para Phillips estas piezas son ejemplos de música vocal minimalista.
Las disonancias, el tactus sosegado, calmado y apacible, la tensión dramática y el colorido textural son algunas de sus grandes bondades. Es impresionante observar la intensidad y la tensión que Victoria puede conseguir en algunos de estos responsorios, de los cuales he seleccionado O vos omnes a 4, para Sabbato Sancto.

   El texto de este responsorio es sencillamente hermoso:

O vos omnes, qui transitis per viam,
attendite, et videte
Si est dolor similis sicut dolor meus.
Attendite universi populi, et videte dolorem meum
Si est dolor similis sicut dolor meus.
(Lm. 1, 12)

*******************************************************

Oh, vosotros todos, los que pasáis por el camino,
prestad atención y ved
si existe dolor semejante al mío.
Atended, pueblos del universo, y ved mi dolor.
Si existe dolor semejante al mío.
(Lm. 1, 12)

   Como decíamos, de por sí causa impacto, pues es cierto que para aquel que siente algún dolor, sobre todo psicológico o espiritual, resulta harto complejo encontrar consuelo alguno y cualquier otro dolor ajeno le parece nimio comparado con su infausto pesar. La indagación más profunda se muestra de la manera más directa y cruda posible, pero a través del arte y un lenguaje realmente hermoso y sutil. Victoria destaca de manera especial los momentos en los que la palabra “dolor” aparece en escena, con unas líneas dolentes, subyugantes. Es impresionante observar como la línea de svperivs se alza en solitario para llamar la atención de aquel que escucha por medio de su attendite
   Para la versión he estado dudando entre dos principalmente, la de The Sixteen y Harry Christophers, con un tempo más lento, muy sosegada, que se recrea más en la tensión armónica, y la de The Tallis Scholars y Peter Phillips, que es finalmente por la que me he decantado. Un tempo más ligero, pero muy adecuado a la intensidad dramática de este texto, con una belleza de sonido apabullante. Phillips no pasa por encima de los momentos más intensos, sino que se ocupa de ellos, aunque sin recrearse en exceso. Las partes solísticas son una factura extraordinaria. “Los Tallis” parecen decir: “sí, no hay dolor como el mío, pero no suframos más de la cuenta por ello”. Siento reiterar mis elecciones en este conjunto, pero me siguen pareciendo de una calidad y una expresividad -sigo sin comprender a aquellos que los llaman fríos- casi sin igual.
Dicha versión se encuentra disponible en este disco.

   Se trata, en definitiva, de un Victoria muy profundo, puede que el más profundo de su producción, cargado de dolor, de espiritualidad, de vida, de pasiones, un Victoria que estaba ya cansado, pero cuya desaforada pasión por el noble y bello arte de la música le llevo a seguir creando, a legar para la historia momentos de este calibre. Un compositor que hoy, hace 400 años, dejara este mundo para encaminarse hacia aquel otro que llevaba anhelando toda su vida, a encontrase con aquel al que había dedicado su vida por medio de su arte, su pasión. Victoria ha sabido como muy pocos plasmar las pasiones espirituales pero también mundanas. Poder disfrutar, deleitarse y emocionarse con algo así, pasados ya nada menos que 400 años, es algo sobre lo que cabe reflexionar. ¿Cómo puede la música, el arte, permanecer tanto tiempo en nuestras vidas, pasando de generación en generación y haciendo que gente cuya vida no se asemeja, ni por asomo, a la de aquel siglo XVI, sigan emocionándose hasta un grado tan extremo con una música creada por aquel entonces? Creo que en esto hay algo muy grande que nunca llegaremos a comprender; así pues, disfrutemos, deleitémonos, compartámoslo y sobre todo, sigamos emocionándose como cada primera vez al escuchar su música.

   Aquí la partitura.

"Año Victoria" en The Choir Project (IV)

2011-08-26T20:38:00.002+02:00

Tomás Luis de Victoria (1548-1611): Lectio I a 5, Lamentationes Ieremiae Prophetae, de su "Officium Hebdomadae Sanctae.
The Tallis Scholars - Peter Phillips.

Corría el año 1585 cuando, en Roma, nuestro maestro publica la que es, con toda seguridad, la colección más ambiciosa de cuantas creara el genio abulense y posiblemente la más ambiciosa de todo el Renacimiento musical europeo. Se trata, como muchos ya habrán adivinado, del

Thomae Ludovici
De Victoria Abulensis
Officium Hebdomadae
Sanctae
Permissu Superiorum.
Romae Ex Typografia Domenici Basae 1585.

Romae
apud Alexandrum Gardanum. MDLXXXV

conocido en nuestros días bajo el más sencillo título de Officium Hebdomadae Sanctae. Se trata de una colección que aglutina 37 composiciones, divididas en piezas para Domingo de Ramos [Dominica in Ramis Palmarum], Jueves Santo [Feria quinta. In Coena Domini], Viernes Santo [Feria sexta. In Passione Domini] y Sábado Santo [Sabbato Sancto], y que se compone de dos pasiones, nueve lamentaciones -tres para cada día correspondiente al Triduum Sacrum- y dieciocho responsorios -nueve para cada día-, como núcleo principal, además de algunos motetes, himnos, un Benedictus y Miserere y los improperios, que la completan.

   A pesar de que en 1583 Victoria dejara escrito en la publicación de su libro de misas de ese año que su cansancio le llevaría ya a “acabar mis composiciones y descansar finalmente con un honesto retiro”, despliega en esta magna obra una variedad textural y de plantilla realmente amplísima. A pesar de todo, sabemos que Victoria ya tenía buena parte del trabajo empezado, pues algunas de las piezas que componen la colección ya habían sido publicadas con anterioridad.
Nos encontramos en estas lamentaciones con un esquema muy interesante, pues Victoria juega con el número de voces, componiendo partes a tres, cuatro, cinco, seis, y ocho voces. Los responsorios sigue un esquema muy interesante, que tal vez quepa explicar en un próximo vídeo.

   La pieza que nos ocupa en este momento es la primera de esas lamentaciones, la Lectio I de las Lamentationes Ieremiae Prophetae, correspondiente a la Feria V. In Coena Domini. Es la única de las lamentaciones que comienza, precisamente por ser la primera, con las palabras Incipit lamentatio Ieremiae Prophetae. Se trata de una composición muy colorista, alejada de toda sobriedad, en la que Victoria nos muestra un estilo muy florido, sobre todo adornando las letras hebraicas, que cesa, sin embargo, para pasar a una textura más densa y “fría” sobre las palabras Iersusalem convertere ad Dominum Deum tuum, con las que finaliza esta primera lección. En esta primera lamentación, Victoria comienza utilizando una plantilla de cantvs I, cantvs II, altvs y bassvs, pasando a utilizar solamente las tres líneas superiores sobre el texto plorans ploravit in nocte, et lacrimae eius in maxilis ieus, tras lo cual, para el final de la lamentación, pasa a utilizar las cuatro primeras líneas, a la que añade la de tenor, dejando la línea de bajo realmente para tal.

   El texto utilizado este primera lección es el siguiente:

Incipit lamentatio
Hieremiae Prophetae

Aleph.

Quomodo sedet sola civitas plena populo
facta est quasi vidua
domina gentium:
princeps provinciarum
facta est sub tributo.

Beth.

Plorans ploravit in nocte, et lacrimae eius
in maxillis eius.

Ierusalem, Ierusalem,
convertere ad Dominum Deum tuum.
(Lm. 1, 1-2)

*****************************************************

Comienzo de las lamentaciones
del profeta Jeremías

Aleph.

¡Qué solitaria está la ciudad antes populosa!
Se ha quedado como una viuda
la grande entre las naciones,
la princesa de las provincias
se ha hecho tributaria.

Beth.

Pasa la noche entera llorando,
las lágrimas le corren por las mejillas.

Jerusalén, Jerusalén,
vuélvete hacia el Señor tu Dios.
(Lm. 1, 1-2)

   La versión que he escogido es la de The Tallis Scholars, bajo la habitual dirección de Peter Phillips. Hay varios motivos por los que he escogido esta versión:
- The Tallis Scholars son un conjunto que admiro muchísimo y que supone una ejemplificación estupenda de lo que busco en una interpretación de la música de Victoria: claridad de líneas, sonido británico, dos voces por parte, grupo mixto, buena dicción.
- Es una versión muy reciente -lo que nos ofrece una visión actual del conjunto- y además podemos verla en directo, no es una versión grabada en un disco sobre la cual se pone la pintura de turno. Se encuentra disponible en este disco.
- Completa la versión de los responsorios que grabaran hace años, lo que me parece una excelente noticia.

   Dicho lo cual, creo que es una buena versión, a pesar de ciertos problemillas en momentos muy concretos. Phillips opta por usar sus tenores también en la línea del bajo cuando la textura es a cuatro partes sin línea de tenor propia. Desde mi punto de vista, estos no son los Tallis de su época dorada, aunque ahora gozan de cantantes muy jóvenes y espléndidos, en verdad. Creo que la línea de sopranos sigue siendo buena, quizá sin la limpidez de antaño, pero con mucha brillantez; la línea de alto sigue siendo la habitual desde hace tiempo, por lo que me sigue pareciendo muy buena, sobre todo con mucha presencia, lo cual no es siempre habitual en otros conjuntos; la línea de tenor no es la de Charles Daniels y Paul Agnew de hace mucho, o la de Nick Todd y Andrew Carwood de no hace tanto, pero me parece muy empastada y de sonoridad bella; la línea de bajos tiene la inefable grandeza de contar con el gran Robert MacDonald, que mejora mucho una línea que siempre me ha parecido de lo peor del grupo. Un sonido muy hermoso, etéreo, muy poco carnal, y con las habituales bondades del grupo, que a pesar de los años siguen demostrando que son una garantía para la música del abulense.

   Este es quizá el Victoria más inmenso, así que disfrutadlo resulta realmente fácil.

   Aquí la partitura.

"Año Victoria" en The Choir Project (III)

2011-08-26T12:36:00.003+02:00

Tomás Luis de Victoria (1548-1611): O magum mysterium a 4.
Gabrieli Consort - Paul McCreesh.

Vuelvo de nuevo a los motetes a cuatro partes de Victoria, esos prescritos para cantvs, altvs, tenor y bassvs. En este caso se trata de un motete con tema navideño, el celebérrimo O magnum mysterium [In Nativitate Domini. Responsorium ad Matutinum] . Motete publicado también en el

Thomae, Ludovice De

Victoria. Abulensis.

Motecta

Que Partim, Quaternis,

Partim, Quinis, Alia, Senis, Alia,

Octonis Vocibus Concinuntur.

Venetijs Apud Filios Antonij Gardani

1572

De nuevo, Victoria nos sorprende con un motete breve, en el que la utilización del contrapunto imitativo es fundamental y magistral. El “tema” principal es utilizado de manera constante durante toda la obra y van pasando de unas líneas a otras.
El texto es el siguiente:

O magnum mysterium,
et admirabile sacramentum,
ut animalia viderent
Dominus natum,
jacentem in praesepio.

O beata Virgo,
cuius viscera meruerunt portare
Dominum Iesum Christum.
Alleluia, alleluia

************************************************************************

¡Oh gran misterio
y admirable sacramento,
que las criaturas vieran
al Señor nacido,
acostado en un pesebre!

O bienaventurada Virgen,
cuyas entrañas merecieron llevar
a Jesucristo, el Señor.
Aleluya, aleluya.

En este libro de motetes de 1572, con dedicatoria para:

ILLUSTRISS. AC REVEREN.D. D. OTHONI TRUCHSES,

CARDINALE AUGUSTANO AMPLISSIMO, PATRONO COLENDISSIMO

y que firma:

Humilimus servus

Thomas Ludovicus de Victoria

Victoria espera de dicho libro que “alcance la plena aprobación de los mejores” y pueda ser de utilidad “en primer lugar para los estudiosos de esta ciencia”, como señala de nuevo Alfonso de Vicente, por lo que el abulense “optaría por las corrientes más experimentales de la época para dar satisfacción a los oyentes más entendidos y exigentes”, en palabras del musicólogo.
Esto nos llevaría de nuevo a un despliegue de todo su arte en los figuralismos, como encontramos por ejemplo en la entrada en escena del buey y la mula, sobre el término “ut animalia”, en la que el tenor y el "bassvs" hacen su aparición en terceras paralelas. No obstante, la sutileza de Victoria aflora en otros parámetros -como señala de nuevo de Vicente-, como en el empleo de cadencias peregrinas, que nos alejan del tono principal de la pieza, como imagen de nacimiento del Señor, que sale de las entrañas de la madre.

   He escogido la versión del Gabrieli Consort, bajo la dirección de Paul McCreesh porque me parece una maravillosa ejemplificación de buen gusto, claridad de líneas, limpieza y bella sonoridad, una fabulosa direccionalidad, un tempo exquisito, En definitiva, todo un dechado de cómo interpretar polifonía hispánica. Esta versión está disponible en este DVD, extraordinario, por lo demás.

   Una obra archiconocida, pero que tiene bien merecida la fama, pues nos muestra unos de los momentos cumbres del Cristianismo de la manera más pura, delicada, honesta y sincera que pueda imaginarse.

   Aquí la partitura y aquí el vídeo, cuya insercción está desactivada por petición del usuario.

"Año Victoria" en The Choir Project (II)

2011-08-25T17:01:00.005+02:00

Tomás Luis de Victoria (1548-1611): Vidi speciosam a 6.
Stile Antico.

El motete, ese género tan en boga en el siglo XV y XVI fue ampliamente tratado por nuestro compositor, de hecho, el que se estrenara en su carrera editorial con un libro de motetes, cuando apenas contaba veinte años, da buena muestra de ello. Además, el número elevado de ellos, casi una cincuentena, no hace sino refrendar la idea.
Como bien señala el musicólogo Alfonso de Vicente, los motetes de Victoria sorprenden por su brevedad y al ser comparados con el resto de las producciones de su época aún nos llama más la atención. Destacan en ellos la tendencia a la concentración, a la síntesis homorrítmica, al silabismo, a la neta división de las secciones y a la diversidad de combinaciones vocales, además de una clara direccionalidad armónica.

El motete que nos ocupa, Vidi speciosam a 6 [In festo assumptionis beatae Mariae], es un motete bipartito, publicado en su

Motecta
Que Partim, Quaternis,
Partim, Quinis, Alia, Senis, Alia,
Octonis Vocibus Concinuntur.

Venetijs Apud Filios Antonij Gardani
1572

En él, Victoria da rienda suelta a su arte contrapuntístico e imitativo más florido y alegre. Las líneas se entrecruzan en un alarde de contrapunto imitativo con pocos ejemplos tan fantásticos como este en toda su producción. Como sucede en muchos de sus motetes, una de las partes es repetida en la secunda pars como elemento conclusivo de la obra. Victoria nos muestra aquí todo su arte en los figuralismo, esa expressio verborum por la que le da sentido a las palabras. El bello texto utilizado por Victoria es el siguiente:

Vidi, speciosam
sicut columbam, ascendentem
desuper rivos aquarum,
cuius inaestimabilis odor erat
nimis in vestimentis eius,
Et sicut dies verni
Circumdabant eam
flores rosarum
et illia convallium.

Quae est ista,
quae ascendit per desertum
sicut virgula fumi
ex aromatibus
myrrhae et thuris?
Et sicut dies verni
Circumdabant eam
flores rosarum
et lilia convallium.

*************************************************************

La he visto, hermosa
como una paloma,
ascender por arroyos de agua,
la fragancia de sus vestidos
era inconmensurable.
Y como en los días de primavera,
la rodeaban
las flores de los rosales
y los lirios de los valles.

¿Quién es ésta,
que sube por el desierto
cual columna de humo
que exhala olor
de mirra y de incienso?
Y como los días de primavera,
la rodeaban
las flores de los rosalesy los lirios de los valles.

Victoria aprovecha el lirismo de este texto para los claros figuralismos, como escalas andescentes haciendo referencia al ascenso de la paloma por los arroyos, y ese devenir del agua en el transcurrir de las líneas sobre el término aquarum; al igual que antes, el ascenso de la columna de humo es bien dibujado por las líneas que Victoria nos ofrece.
Compuesto a a seis partes, Victoria dobla la línea de svperivs y la de tenor, creando una textura casi a doble coro en la que confronta de manera magistral las tres líneas "femeninas" con las tres masculinas.

   La versión de Stile Antico es magnífica. Se encuentra disponible en este disco y extraen de la pieza su aroma más delicado y elegante, con una vocalidad muy británica, casi etérea, sobre todo en las primeras líneas.

   Al contrario de lo que sucede con sus motetes a 4, en los compuestos a 5 y 6 el maestro se olvida un tanto de esa cerrazón estilísitica y da rienda suelta a su imaginación, creando piezas más floridas, adornadas de maravillosos giros melódicos y con armonías más fantasiosas. Otra faceta del genio abulense, en la que nos sigue demostrando que se encuentra entre lo más granado de la historia.
   Aquí la partitura.

"Año Victoria" en The Choir Project (I)

2011-08-25T14:04:00.005+02:00

The Choir Project es un proyecto surgido an la locadlidad de Naples, en el estado de Florida, y que bajo la dirección artísitica de Marian Dolan pretende construir toda una comunidad coral, estrictamente en su zona más cercana, pero haciéndola extensible a todo el mundo a través de las nuevas tecnologías. Uno de estos medios es la red social Facebook, en la que posee una página que utiliza para estos fines. Pues bien, The Choir Project no podía estar ajeno a la efeméride musical por excelencia que celebramos este año, especialmente en España, pero también en todo el mundo: el "Año Victoria".

   Marian Dolan ha tenido a bien invitarme para ser "guest administrator" de la página de Facebook con el finde celebrar dicha efeméride, sobre la que vuelca en mí dicha responsabilidad -por los conocimientos sobre Victoria y la polifonía del Renacimiento que me atribuye y mi desaforada pasión por los mismos-, lo que para el que escribe supone todo un placer y un inmenso honor. Con el siguiente texto, Marian presentaba en la página mi elección:
This weekend is the 400th anniversary of Victoria’s death. To celebrate his music, please welcome guest-poster Mario Gutiérrez from León, Spain. Mario sings first tenor with the wonderful choir "El León de Oro, studies musicology, and is passionate about early music. Mario will be sharing Victoria videos with us. We encourage you to share them with you friends! ¡Bienvenido, Mario!

   Mi tarea consistirá en ir mostrando la obra de Victoria a través de vídeos musicales extraídos de Youtube -dos vídeos por día- e ir comentando un poco las peculiaridades de cada pieza y porqué he elegido esa especialmente.

   Pues bien, esta misma mañana ya he colgado el primero de mis vídeos. Mi idea es ir crando una entrada aquí con cada nuevo vídeo, pues creo que puede ser de interés y servir para aquellos que no puedan leerlo a través de la página de la red social. Así pues, aquí va mi primer vídeo y su correspondiente comentario:

Tomás Luis de Victoria (1548-1611): Taedet animam meam a 4.

The Tallis Scholars - Peter Phillips.

Esta es para mí, sin duda, una de las piezas más geniales del maestro abulense. Una pieza de factura sobria, carácter totalmente homofónico, en la línea más "palestriniana" dentro de su produccción.
Victoria desplega todo su genio es una pieza claramente silábica, en la que el texto importa, y mucho. Una obra a cuatro partes en la que la homofonía es reina y señora, dejando breves pasajes más adornados para algunas cadencias y fianles de frase.
El texto es una maravillosa declaración de intenciones, de gran profundidad, que Victoria sabe plasmar en la partitura como pocos:

Taedet animam meam vitae meae,
dimittam adversum me eloquium meum,
loquar in amaritudine animae meae.
Dicam Deo: Noli me condemnare:
indica mihi, cur me ita iudices.
Numquid bonum tibi videtur,
si calumnieris, et opprimas me,
opus manuum tuarum,
et consilium impiorum adiuves?

Numquid oculi carnei tibi sunt:
aut sicut videt homo, et tu vides?
Numquid sicut dies hominis dies tui,
aut anni tui sicut humana sunt tempora,
ut quaeras iniquitatem meam,
et peccatum meum scruteris?
Et scias, quia nihil impium fecerim,
cum sit nemo, qui de manu tua possit eruere.
(Job 10:1-7)

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¡Estoy hastiado de mi vida!
Voy a dar curso libre a mis quejas,
a hablar con la amargura de mi alma.
Quiero decir a Dios: ¡No me condenes,
dame a enternder por qué te querellas contra mi!
¿Es decoroso para ti
hacer violencia, desdeñar
la obra de tus manos
y complacerte en los consejos de los malvados?

¿Tienes tú acaso ojos de carne
y miras como mira el hombre?
¿Son tus días los de un mortal,
son tus años los de un hombre
para que tengas que inquirir mi culpa
y andar rebuscando mi pecado,
cuando sabes que no soy culpable
y nadie puede librarme de tus manos?
(Job, 10:1-7).

A través de líneas realmente simples y por medios de grados casi conjuntos, Victoria nos clarifica ese hastío, esa amargura de la vida del que narra; una texto religioso, sí, pero con tintes más mundanos de lo que cabría esperar. Una pieza maravillosa, en esa línea sobria y "académica" que nos depara el Victoria en sus obras a cuatro. Una genialidad, que nos demuestra que a veces menos es más, que lo sencillo puede ser lo más genial.

La versión de The Tallis Scholars es realmente espectacular. Extraída de este disco, nos demuestran que comprenden como pocos la música del abulense. Tempo sosegado pero no en exceso y una dicción y un tratamiento de las líneas claro, primando la importancia del texto, como es en sí la propia composición. Otra maravilla servida por Phillips y los suyos, para comenzar un disco verdaderamente antológico.

Para terminar, aquí está la partitura.

... y la cithara calló

2011-08-01T13:18:00.003+02:00

Fecha: 18 de julio de 2011. 20:30 horas.

Lugar: Iglesia de San Marcos, León.

Contexto: Segundo concierto de la VIII edición del ciclo El Camino en Castilla y León.
Programa: Versa est. Concierto escenificado.
Intérpretes: La Colombina. Carlos Pinedo (actor).

Otro año más se presentaba en tierras castellano y leonesas ese ciclo que, a finales de julio, nos trae lo mejor de la música coral interpretada por algunos de los mejores conjuntos vocales del panorama mundial. En esta ocasión, y como no podía ser menos, el programa se centraba en la gran figura musical del Renacimiento hispánico, el gran Tomás Luis de Victoria, conmemorando así el 400 aniversario de la fecha de su marcha de este mundo.

La Fundación Siglo para las Artes de Castilla de Castilla y León, siempre preocupada por la cultura en la región, nos traía este año una propuesta algo distinta. Bajo la tutela de Soterraña Aguirre, encargada de la idea original, investigación y dirección de producción, y la dirección escénica de Ruth Rivera, con texto de Alberto Conejero, se nos presentó un concierto escenificado, protagonizado por el actor Carlos Pinedo. La Dra. Aguirre, profesora de Musicología en la Universidad de Valladolid, nos transportó a tiempos de Victoria, quien era representado en todo momento por el actor, y nos iba desgranando momentos importantes en la vida del genio abulense. Se nos presentó un Victoria enérgico, vital y enomorado por la música, entregado a ella, pero también a Dios, al que quería honrar de la más manera más humilde a través de su trabajo. Una visión muy religiosa y devota del autor, quizá no muy compartida por algunos investigadores hoy día.

Por medio de una decoración limitada a un par de sillas -preciosos ejemplares, por cierto- y una enorme capa de color grana, que pasó de los hombros de nuestro Victoria al suelo de la iglesia, como si de una especie de escenario se tratase, y la presencia de las cantores de La Colombina, que interactuaban en ocasiones con el actor, se fue desarrollando la escena, como una correlación de escenas vitales que pasaban a ser desarrolladas por los fragmentos musicales correspondientes. La impresionante Iglesia de San Marcos hizo el resto. La Dra. Aguirre y el conjunto seleccionaron varias piezas que mostraran de la manera más amplia posible el desarrollo vital y musical del abulense, tanto en su estancia romana, como en sus últimos 25 años en la capital del reino. Así se interpretaron motetes, como O quam gloriosum a 4, Vidi speciosam a 6, O vos omnes a 4, Super flumina Babylonis a 8, fragmentos de misas, como el Kyrie de la Missa Ave maris stella a 4, o el Gloria de la Missa Pro Victoria a 9, así como el responsorio Caligaverunt oculi mei a 4, de su Officium Hebdomadae Sanctae y dos fragmentos de su Officium Defunctorum a 6: Taedet animam meam a 4 y Versa est in luctum.

La Colombina, que amplió su cuarteto habitual, compuesto por Raquel Andueza, José Hernández, Josep benet y Josep Cabré, con las voces de la mezzo Marta Infante y el tenor Víctor Sordo, así como el concurso del organista Daniel Oyarzábal, nos mostró unas lecturas límpidas, con claridad de líneas y ciertamente expresivas, alejadas de ese sonido tan brillante a los que el Victoria inglés nos tiene acostumbrados. Con una afinación realmente pulcra, se echó en falta ciertos momentos de calidad vocal más refinada. A los Josep los años se les nota considerablemente y el avanzado estado de gestación en el que se encontraba Marta Infante le otorgó no pocos problemas con el fiato. Sin embargo, tampoco fueron problemas que desmerecieran la actuación, entre otras cosas porque fueron sobradamente cubiertos por la excelsa actuación de José Hernández y Raquel Andueza, quien continúa en un estado de gracia permanente, que afortunadamente no presenta atisbos de encontrar su ocaso con prontitud. Eligiron unas versiones curiosas para algunas piezas, como en el salmo Super flumina Babylonis a 8, normalmente con la disposición de cantvs, altvs, tenor, bassvs / altvs, tenor I, tenor II, bassvs, y que aquí fue interpretado utilzando las dos voces femeninas del primer coro acompañadas por el órgano, encargado de realizar las dos voces restantes, mientras que el otro coro mantenía su disposición habitual; también encontramos otro ejemplo en su lectura del Gloria de la Missa Pro Victoria a 9, dispuesta para cantvs I, cantvs II, altvs I, tenor I, bassvs I / cantvs III, altvs II, tenor II, bassvs II y órgano, que pasó a ser interpretada a seis partes (SSATTB) con el resto de voces interpretadas por el órgano. Son versiones que funcionan, indudablemente, aunque personalmente prefiero la opción habitual, si bien no es improbable que el propio Victoria se viera forzado a utilizar distintas plantillas en realción a la disponibilidad de sus medios.

Una interpretación notable, con momento realmente muy buenos, como el Vidi speciosam a 6, o los subyugantes Taedet animam meam a 4 y Versa est in luctum a 6 -cuyo texto sigue emocionándome en cada lectura-.

Se completó el programa con algunos interludios organísticos del gran Antonio de Cabezón, maravillosamente interpratdos por Oyarzábal, y el impresionante motete a 6 Iubilate Deo omnis terra, de Cristóbal de Morales.

Un concierto muy interesante, distinto -lo cual ya es decir mucho-, con la actuación magistral del actor y La Colombina como nos tiene acostumbrados, con esa particular visión más hispánica del abulense. A pesar de todo, el que firma sigue prefiriendo las versiones inglesas para la música de nuestro gran genio. Lo que sí quedó patente, una vez más, es el enorme talento y la grandeza creadora de este maestro de nuestro Siglo de oro, al que habrá que seguir alabando y venerando al menos otros cuatrocientos años más.

Tomás Luis de Victoria (1548-1611): Officium Hebdomadae Sanctae, Caligaverunt oculi mei a 4
Álbum: Offcium Hebdomadae Sanctae
La Colombina - Josep Cabré
Glossa (Los Siglos de Oro) 2005

En defensa del canto

2011-07-25T13:05:00.003+02:00

Resulta curioso observar el siguiente texto, pues en él podemos encontrar una clara y decidida defensa del canto, una oda a la voz humana como un instrumento sin igual, como una invocación, una invitación a cantar y a hacerlo solo, pero también en conjunto, una manera maravillosa de sentir la música en el propio ser.

William Byrd dedicó buena parte de su vida a la composición de música vocal, coral, y a pesar de que también dedicó tiempo a la creación de música para diversos instrumentos, su carácter provocal queda claramente patente en el texto del que hablamos. Se trata del prólogo perteneciente a su colección de música intitulada Psalms, Sonnets and Songs of Sadness and Pietie, publicada en 1588, y es el siguiente:

Reasons, briefly set down by the Autor, to persuade everyone to learn to sing.

First, it is a knowledge easily taught, and quickly learned, where there is a good master,
and an apt scholar.
1. The exercise of singing is delightful to Nature, and good to preserve the health of Man.
2. It does strengthen all parts of the breast, and does open the pipes.
3. It is a singularly good remedy for stuttering and stammering in the speech.
4. It is the best means to procure perfect pronunciation, and to make a good Orator.
5. It is the only way to know where Nature has bestowed the benefit of a good voice:
which gift is so rare, as there is not one among a thousand that has it: and, in many,
that excellent gift is lost, because they want Art to express Nature.
6. There is not any Music of Instruments whatsoever, comparable to that which is made
of the voices of Men, where the voices are good, and the same well sorted and ordered.
7 The better the voice is, the meeter it is to honour and serve God therewith:
and the voice of man is chiefly to be employed to that end.

Omnis spiritus laudet Dominum.

Since singing is so good a thing,
I wish all men would learn to sing.

*************************************************************************

Razones, sucintamente expuestas por el autor, para persuadir a todos a aprender a cantar*.

En primer lugar, donde hay un buen maestro y un alumno con talento, es un conocimiento fácil de enseñar y rápido de adquirir.

1. La práctica del canto agrada a la Naturaleza y es buena para mantener la salud del Hombre.
2. Refuerza todo el pecho y abre los conductos.
3. Es un remedio particularmente recomendado contra el tartamudeo.
4. Es el mejor medio para perfeccionar la pronunciación y llegar a ser un buen orador.
5. Es la única forma de averiguar dónde ha otorgado la Naturaleza una buena voz, un don tan infrecuente que es posible no encontrar una persona entre mil que lo posea y en muchas ese maravilloso don se pierde porque les falta el Arte para expresar la Naturaleza.
6. No existe ni un solo instrumento musical comparable al que componen las voces humanas cuando las voces son buenas, están bien escogidas y ordenadas.
7. Cuanto mejor sea la voz, más apropiado es honrar y servir a Dios con ella. Siendo éste el fin primordial con el que la voz humana se debe emplear.

Omnis spiritus laudet Dominum

El canto es cosa tan buena,

que ojalá todo el mundo aprendiera.

Teniendo como referencia esta defensa del instrumento más humano, uno puede entender todo lo que le sobreviene cuando escucha la música del maestro inglés, para el que escribe, el mejor compositor inglés de la historia, un maestro del tratamiento melódico, de la textura vocal, de la expresividad de lo emotivo a través de lo vocal. Un genio absoluto de la polifonía vocal, que nos legó algunas de las piezas más impresionantes que se hayan creado jamás, como queda buena constancia de ello aquí, por ejemplo. Así pues, ¡larga vida a la voz, larga vida a Byrd!

* Traducción extraída del Foro de Fecorem.

400 años no son nada

2011-07-20T12:46:00.006+02:00

No debe quedar persona relacionada, de manera más o menos intensa, con el mundo de la música mal llamada clásica, que no sepa, a estas alturas de la partitura en la que nos encontramos, que en este 2011 se cumplen 400 años desde que nos dejara, aquel 26 de agosto, el gran maestro abulense, romano y madrileño, de nombre Tomás Luis de Victoria y con la siguiente firma:

Siendo, para la inmensa mayoría, el mejor compositor español de toda la historia -aunque quedan que prefieren a los Falla, Granados o Albéniz-, los fastos dedicados a esta efeméride están siendo numerosos, importantes y de total interés.

Ya es bien conocida la serie de diez discos que Michael Noone y su Ensemble Plus Ultra le han dedicado a la producción madrileña, es decir, de sus últimos 25 años, del genio de Ávila, y que acaban de concluir hace escasas semanas con la salida al mercado de los dos últimos volúmenes.

Pero eso solo fue un exquisito avance, pues el CNDM (Centro Nacional de Difusión Musical) -dependiente del Ministerio de Cultura- tiene preparada, para el comienzo del próximo curso y una vez pasado el verano, una intensa y excelente programación, intitulada Victoria 400, que nos traerá lo más granado del mundo de la interpretación vocal, en la que será una revisión muy amplia de la obra de nuestro querido genio. Una serie muy amplia de conciertos, en la que podremos escuchar buena parte de su obra, interpretada por algunos de los conjuntos más selectos de mundo e la interpretación renacentista, como Gabrieli Consort, La Colombina, Musica Ficta, The Sixteen, The Hilliard Ensemble o el propio Ensemble Plus Ultra, conciertos que visitarán varias de las provincias españolas, como Madrid, Ávila, Cuenca, Zamora, Úbeda y, de especial manera, León, que se convertirá en el centro de las miradas con un gran número de conciertos, así como un congreso internacional dedicado a la figura del abulense y un curso de interpretación de la obra de Victoria, impartido por el propio Michael Noone.

Aquí, toda la información acerca de este prometedora programación.

Del mismo modo, Internet se ha volcado siempre con la figura de Victoria, pero en este año mucho más y son varios los sitios que nos encontramos de interés. La página, ya famosa, dedicada al compositor, está renovando su diseño y sigue manteniendo su calidad e interés de siempre.

Se ha creado un blog, dedicado a esta efeméride, "regentado" con sapiencia por Ana Mª. Sabe Andreu, autora de un intereante libro titulado Tomás Luis de Victoria, pasión por la música, en el que se van dando buena cuenta de los acts preparados en este año.

Además, son varios ya los cursos y festivales que están dedicando sus programaciones a esta figura, como el que La Colombina está dedicando, en una gira de conciertos por Castilla y León, a uno de los cuales pude asistir en la Iglesia de San Marcos de León el pasado lunes, y que será motivo de una entrada en las próximas horas.

Disfrutemos, pues, de este gran año, que promete momentos maravillosos e inolvidables, porque realmente, el genio creador de Victoria así lo merece.

Un viaje por los órganos históricos

2011-07-16T13:23:00.003+02:00

El Arte de Tañer.
Música antigua para óraganos positivos.

1. Pavana con su glosa - España siglo XVI, Antonio de Cabezón
2. Ya no quiero tener fe - España siglo XVI, Juan del Encina
3. El aire se serena (recitado) - España siglo XVI, Fray Luis de León
4. Tres claúsulas, España siglo XVI, Tomás de Santa María
5. No me digays Madre (dos versiones), España siglo XVI, Francisco Salinas
6. Prelude du cinqueme ton, Francia siglo XVII, Guilliaume-Gabriel Nivers
7. Rind nu op i Jesu navn, España siglo XVII, Anon.
8. Haec Dies,Francia siglo XIII., Magister Leoninus
9. Salve Regina, Alemania, siglo XVI., Anon.
10. Suite Pastoral, Bélgica siglo XVI Tielmann Susato
11. Para quien creí yo cabellos, España siglo XVI, Antonio de Cabezón
12. Mortal tristura, España siglo XVI, Juan del Encina
13. Duuinsela, España siglo XVI, Antonio Cabezón
14. Todo el mundo en general, España siglo XVII, Francisco Correa de Arauxo

Poul Udbye Pock-Steen

PARLA son 2009

51'27

Bajo el sugerente título de El Arte de Tañer, el organista danés -de largo y complicado nombre- Poul Udbye Pock-Steen, miembro del conjunto Via Artis Konsort, transita y nos lleva consigo de viaje por algunos de los momentos organísticos más importantes en la Europa del XVI, sobre todo, aunque no exclusivamente, un viaje por algunos de los compositores que mejor y de manera más profusa trataron el órgano como ese gran instrumento que es.

Paseamos por Bélgica, Italia, Francia y Alemania, pero sobre todo por España, con ese gran referente que fue Antonio de Cabezón, así como Francisco Correa de Arauxo, Francisco Salinas y Tomás de Santa María, autor este algo más desconocido pero de gran importancia.

Se nos regala la sonoridad de tres órganos, uno renacentista, sito en la Capilla de la Reina Dorothea del Castillo de Soenderborg, en Dinamarca, y los dos positivos renacentistas que se encuentran en la Catedral Vieja de Salamanca. Lamentablemente, no se especifica en que momento suena cada cual. Son órganos de bello y cuidado sonido, muy apropiado para este tipo de obras.

Nos encontramos ante música organísitica de primer nivel, con alguna incursión en repertorio medieval, un toque barroco e inluso una composicón propia del intérprete. Pock-Steen se decanta por tempi muy sosegados, calmados y apacibles, entre los que se incluyen ciertos momentos con ruidos de pájaros -francamente evocadores-, alguna campana, e incluso algunos toques interpretados con flauta de tres orificios y tamboril, también suponemos que por el propio organista, pues tampoco se especifica. Unas lecturas lentas, pero no por ello cansinas, sino comedidas y aterciopeladas.

La presentación del disco, parece que el primer lanzamiento del conjunto con este sello -con el que ya preparan nuevos lanzamientos-, es sencilla, pero no por ello menos hermosa. Con unas ilustraciones escasas pero francamente bellas. La información aparecida es muy básica, sin embargo se nos remite a las siguientes páginas con el fin de poder ampliarla: la propia del conjunto -enlazada más arriba-, otra en la que no parece mucha información (www.musica.nu) y la del sello -de cosecha propia-, que puede tener cosas de interés: parla son. Un apunte, eso sí, el sistema de recogida del disco en la caja resulta bastante incómodo y peligroso para el devenir del cedé en años, pues lo puede dañar con facilidad.

Nos encontramos, pues, ante un disco de órgano renacentista -que se agradece enormemente, ante la poca atención que se le da en detrimento del órgano barroco-, de escucha fluída, nada estresante ni pesada, estupenda para momentos de reflexión, en la que tenemos algunos de los momentos más monumentales para órgano que se hayan compuesto jamás, como la Pavana con su glosa, de Antonio de Cabezón, o Todo el mundo en general, de Francisco Correa de Arauxo.

Antonio de Cabezón (1510-1556): Pavana con su glosa

Francisco Correa de Arauxo (1584-1654): Todo el mundo en general

Regresa "doblebarra"

2011-07-15T13:01:00.000+02:00

El verano nos trae tiempo -al que puede, claro- para dedicarlo a las cosas que nos interesan de verdad y a las que no podamos atender como debemos durante el resto del año, por ello, uno aprovecha para leer cosas que tenía desatendidas, realizar actividades que no suele practicar y, sobre todo y en mi caso, escuchar todos aquellos discos que tenían audición pendiente y que se van acumulando a lo largo del año.

Por todo esto, y con energía y fuerzas renovadas, regresa por fin doblebarra, ahora que ya dipongo de tiempo para ello.

Mañana mismo la primera entrega, con un disco de órgano que tenía pendiente de comentar.

¡Feliz regreso!

Un feliz y musical 2011

2010-12-31T18:53:00.000+01:00

Vengo por aquí tan solo con la intención de desearos a todos, con todo el cariño, un magnífico comienzo de nuevo año y de década.

Quiero agradeceros el apoyo que se ha demostrado por este sitio y aplaudir vuestra honestidad y fidelidad para con mis líneas.

Y como nuevo año siempre conlleva nuevas metas, objetivos y tareas, uno de mis propósitos para este que empieza será, si el tiempo me lo permite, dedicarle más tiempo a este blog y contaros mi visión del mundo que me apasiona y al que me dedico.
Así pues, mucha felicidad para todos y mucha, mucha, mucha música, que nos rodee constantemente y siga regalándonos todo sin pedir nada a cambio, como siempre hace. Que en este nuevo año se valore más la música como arte unificador, puro, sensible y honesto, y a la gente que dedica su tiempo a honrarla con la mejor de las intenciones. Que cada día podamos seguir aprendiendo un poco más de ella y la sensibilidad y la emoción nos siga acompañando para saber apreciarla como merece.

Semper lux

2010-09-24T16:07:00.003+02:00

Ya se ha comentado, en una entrada de este mismo blog, la importancia capital de Eric Whitacre en el panorama coral mundial.
Whitacre, por su fantástica música y su buen hacer en las relaciones sociales vía Internet, siempre esté de moda, pero en estos días lo está un poco más, si cabe, pues se anuncia la salida de su flamente nuevo disco -que tiene prevista su salida al mercado el próximo 18 de octubre-.
¿Qué tiene este de especial? Pues bien, a pesar de que la obra de Whitacre ha sido grabada en decenas de ocasiones, aunque se trate de una o dos piezas en un disco de tal o cual coro, y de que ya cuenta con varios discos monográficos -algunos de importancia mayúscula-, este tiene algo diferente y que lo hace único y no es otra cosa que en este Light & Gold -clara referencia en el título a su pieza Lux Aurumque-, Whitacre se pone por primera vez al frente de un conjunto para grabar y dirigir, él mismo, su música.

En otras ocasiones ya había asistido a grabaciones y actuado como asesor musical en ellas-quién mejor que el propio autor para asesorar a un intérprete-, pero en esta ocasión ha seleccionado dos conjuntos vocales, unidos para la ocasión, como son The Eric Whitacre Singers -coro creado ex profeso y del que habrá que esperar una larga trayectoria- y Laudibus -coro de jóvenes talentos, integrado dentro del sistema National Youth Choirs Great Britain- y la participación sorpresa de algunos amigos, como el prestigioso ensemble vocal The King's Singers.
Para la ocasión se han seleccionado algunas de las más caracterísiticas y conocidas piezas del estadounidense, tales como Sleep, Water Night, Lux Aurumque, Leonardo Dreams of His Flying Machine, A Boy and a Girl, así como otras menos conocidas y primeras grabaciones mundiales, como The Stolen Child o Nox Aurumque -una de sus últimas composiciones-.
Se echan de menos auténticas obras maestras como Cloudburst o When David Heard -para el que firma, uno de los monumentos corales más fascinantes de la historia-, pero estas son las cosas que tiene el contar con un minutaje limitado.

Realmente este lanzamiento ha creado una gran expectación, la que, teniendo en cuenta lo extraordinario de la música, la solvencia de los intérpretes y a tenor de algunos pequeños fragmentos ya escuchados, no tiene pinta de defraudar.

Un abulense en Madrid (prima pars)

2010-09-22T17:52:00.005+02:00

Victoria 1. Pro Victoria

Tomás Luis de Victoria (1548-1611)

1. Sequentia: Veni, Sancte Spiritus

Missa Pro Victoria
2. Kyrie

3. Gloria

4. Credo
5. Sanctus & Benedictus
6. Agnus Dei

7. Psalmo: Super flumina Babylonis

Missa pro Defunctis
8. Introitus
9. Kyrie
10. Graduale
11 Offertorium
12. Sanctus & Benedictus
13. Agnus Dei
14. Communio

15. Responsorium: Libera me
16. Responsorium: Peccantem me quotidie
17. Responsorium: Credo quod Redemptor

Ensemble Plus Ultra - Michael Noone
Archiv Produktion (Los Siglos de Oro) 2008
77'20

Cuando en 1587, Tomé Luis de Victoria -abulense universal y probablemente el mejor compositor español de todos los tiempos- regresa a Madrid -tras pasar 20 años en Roma, donde estudió (muy posiblemente a las órdenes del gran Palestrina) y ejerció como profesor en el Collegium Germanicum, donde posteriormente sería nombrado maestro di cappella, sucediendo en el cargo al propio Palestrina (algunos señalan que propuesto por el propio maestro)-, ya había vivido gran parte de su vida y había creado ya una importante parte de su corpus compositivo, sin embargo, lejos de acomodarse, el maestro, que en Madrid ostentó el cargo de capellán y maestro de coro del Real Convento de las Clarisas Descalzas, siguió creando y editando diversas publicaciones de sus obras sacras -no compuso música profana, recordemos-.
De esta manera, el período madrileño de Victoria es uno de los más prolíficos e importantes de su vida, pero quizá el menos atendido por los intérpretes a lo largo de los años. De ahí que el Ensemble Plus Ultra y su director Michael Noone, con el patrocinio y auspicio de la Fundación Caja Madrid, por medio de su serie discográfica Los Siglos de Oro, y la edición por parte del archiconocido sello Archiv Produktion, se hayan planteado este serie de diez discos en la que dar buena cuenta de ese período madrileño de Victoria, así como la publicación de algunas obras de otros períodos, pero que no han sido registradas con anterioridad, del mismo modo que algunas ediciones revisadas con posterioridad y de singularidad importante.
De esta manera, el EPU ha dedicado cerca de 60 días, entre 2008 y 2009, para grabar los diez discos, que están siendo editados regularmente desde 2008 y que terminarán en 2011, aprovechando la efeméride victoriana y el 10º aniversario de la creación de este conjunto inglés. En esos diez cedés, se dará buena cuenta de una 90 piezas del catálogo del genio, en las que han participado 42 músicos, entre los componentes del propio conjunto, asi como otros invitados, como el organista español Andrés Cea, el conjunto de ministriles His Majestys Sagbutts and Cornetts o el conjunto de canto llano español Schola Antiqua, que dirige Juan Carlos Asensio.
Los discos han sido grabados entre España -Iglesia de San Pedro, Tordesillas, la Colegiata de San Pedro, Lerma (sí, la misma donde el Gabrieli Consort grabara este magnífico disco); ambas con importantes órganos históricos- e Inglaterra -St. Georges's Church, Chesterton, Cambridge y St. Judes-on-the-hill, Londres-.

Para el estreno de esta serie se han grabado dos misas del abulense y algunas obras sueltas.
En este primer volumen se observa claramente la evolución compositiva del maestro y se muestra un tanto el camino por el que va a transcurrir esta serie.
De la colección de piezas de 1598, pero publicadas en 1600:

Thomae Ludovici De Victoria.
Abulensis
Sacrae Caesare Maiestatis Capellani
Missae, Magnificat, Motecta, Psalmi, et alia quam plurima.
Quae partim Octonis, alia Nonis, alia Duodenis
vocibus concinuntur.
[haec omnia sunt in hoc libro
ad pulsandum in organis.] Permissu superiorum,
Matriti
Ex Typografia Regia
anno M. DC.

Apud Ioannem Flandrum.
MDC.

se han seleccionado la secuencia Veni, Sancte Spiritus, que en realidad es más un motete que una secuencia y que está compuesto a 8 partes en doble coro, en estilo claramente jubiloso; la Missa pro Victoria, una misa de batalla -"que dio gran gusto al Rey nuestro señor" (Felipe III, se entiende)- a 9 partes (svperivs, svperivs, svperivs, altvs, altvs, tenor, tenor, bassvs, bassvs), también en doble coro (SSATB/SATB), y que Victoria compuso sobre la célebre La Guerre, de Clément Janequin. Se trata de una obra curiosa, pues es la única que Victoria diseña a 9 partes y además consta de órgano que acompaña al primer coro. En ella encontramos, además, gran variedad en el tratamiento de las líneas, así podemos encontrar estilo imitativo, homofonía, reducciones de líneas. La tercera pieza de 1600, aunque reeditada, pues fue compuesta en 1573, es el salmo Super flumina Babylonis, una pieza de carácter festivo, aunque melancólico, y que está compuesta a 8 partes en doble coro. En ella también encontramos más un motete que un salmo y el abulense nos presenta dos coros a 4 partes, pero desiguales (SSAB/SATB), en un estilo más arcaico, alejado de los adornos barrocos.

De su colección de 1583:

Thomae Ludovico
A Victoria Abulensis
Missarum Libri Duo
Quae Partim Quaternis. Partim
Quinis. Partim Senis.
Concinuntur Vocibus
Ad Philippum secundum Hispaniarum Regem Catholicum.
Romae
Ex Typografia Dominici Basae.
MDLXXXIII
Cum Licentia superiorum.

Romae
Apud Alexandrum Gardanum MDLXXXIII.

su Missa pro Defunctis, una obra muchos menos conocida que la de 1605 y que fue compuesta a 4 partes.
Reeditada en 1592, añadiéndole los responsorios Peccantem me quotidie -este a 5 partes- y Credo quod Redemptor en su colección:

Thomae Ludovici
De Victoria
Abulensis
Missae, quattuor, quinque, sex, et octo vocibus conci-
nendae, una cum Antiphonis, Asperges, et Vi-
di aquam totius anni.
Liber secundus.
Superiorum Permissu.
Romae,
Ex Typografia Ascanij Donangeli. M. D. XCII.
Apud Franciscum Coattinum.

Romae,
Apud Francismum Coattinum.
MDXCII.

es la que se nos presenta en esta grabación.
Una obra maestra a todas luces, en la que encontramos claras referencias en su obra de 1605 -compuesta a 6 partes, pero en la que se utilizan las mismas melodías gregorianas-, aunque no pueda hablarse de que esta de 1605 sea una mera reelaboración de la 1583.

Las versiones que nos ofrece el Ensemble Plus Ultra son íntimas, elegantes y bastante expresivas. Utilizando un grupo vocal de dos sopranos, tres altos, tres tenores y dos bajos, además del órgano obbligato en la misa, así como un grupo de ministriles, compuesto por tres cornetti y dos sacabuches, nos presentan unas lecturas bastante vivas en cuanto a la elección del tempo y con una claridad de líneas realmente soberbia. La calidad vocal exhibida es muy alta en todas las líneas, excepción hecha del bajo, en la que nos encontramos con un timbre y gusto muy dudosos en ciertos momentos, lo que a uno le hace plantearse cómo es posible que a un director de la talla de Noone se le haya pasado un color semejante o haya decidido permitirlo. El resto de voces rinden a un nivel realmente muy alto, destacando el gusto de sopranos y tenores y el bello color de la línea de altos, con la magnífica Clare Wilkinson entre ellos.
Noone dirige con solvencia y demuestra porqué es considerado como uno de los mayores especialistas en polifonía renacentistas española.

Por lo demás, se nos ofrece una presentación bastante cuidada -muy en la línea de los discos de la serie Los Siglos de Oro aparecidos en Glossa en su momento-, aunque con unas portadas un tanto desconcertantes, y una notas al programa, firmadas por Alfonso de Vicente, totalmente esclarecedoras y muy interesantes.

Un buen comienzo para una serie que promete, pero de la que no puedo dejar de hablar sin mencionar, con asombroy un toque de indignación, lo pésimo de su publicitación y presencia en tiendas. Uno no acaba de entender como un proyecto de esta magnitud y que viene a cubrir un hueco tan amplio, una vez comenzado, apenas es anunciado y se encuentra rodeado de tanto misterio. ¡Señores, denle la importancia que merece!

Missa pro defunctis a 4: Introitus

Super flumina Babylonis a 8

Puro sonido "british"

2010-09-17T13:03:00.011+02:00

Heavenly Harmonies

Thomas Tallis (c.1505-1585) & William Byrd (c.1540-1623)

Tallis: Why fumth' in fight
Byrd: Vigilate
Tallis: E'en like the hunted hind
Byrd: Ne irascaris Domine
Tallis: Let God arise
Byrd: Exsurge, Domine
Tallis: Expend, O Lord
Byrd: Infelix Ego
Tallis: God grant with grace
Byrd: Laetentur coeli
Tallis: Man blest no doubt
Byrd: Quis est homo
Byrd: Mass Propers for Pentecost
Introit: Spiritus Domini
Offertory: Confirma hoc Deus
Communion: Factus est repente
Tallis: Why brag'st in malice
Byrd: Tribulationes civitatum
Tallis: O come in one
Byrd: Laudibus in sanctis

Stile Antico
Harmonia Mundi (Production USA) 2008
78'51

Con el sugerente y muy adecuado título de Heavenly Harmonies, Stile Antico presentaba su segundo disco. Un segundo disco que hacía presagiar muchas cosas, como así ha sucedido a posteriori. Como ingleses, el repertorio de Tallis y Byrd lo asumen como propio y realmente se les adecúa a la perfección.
Manteniendo su estructura natural de tres cantores por parte -a excepción de la adición de una soprano más en las pistas 14-16 y 20 y de los bajos, con cuatro cantores, dividos en dos bajos-barítonos y dos bajos puros- nos acercan piezas a cuatro voces del maestro Tallis, en concreto sus 9 Psalms Tunes for Archbishop Parker's Psalter. Son piezas que Tallis compusiera a cuatro partes y que poseen un marcado carácter homofónico y muy austero, al estilo de los Anthems de tradición anglicana. Son piezas cantadas en lengua vernácula y que Tallis dedicara al nuevo psalterio del Arzobispo Matthew Parker en 1567. A pesar de su modestia compositiva, Tallis no deja de sorprendernos con ciertas audacias y un lenguaje bastante avanzado, como puede comprobarse en su God grant with grace, por ejemplo.

El grueso del disco lo componen piezas latinas del otro gran genio de la Inglaterra renacentista, William Byrd. De él se nos ofrecen piezas extraídas de sus Cantiones Sacrae I, de 1589 -sobre todo-, Cantiones Sacrae II, de 1591 y Gradualia II, de 1607.
Los motetes latinos de Byrd son de una maestría compositiva realmente elevadísima y en pocas obras de otros maestros de la época encontramos algo parecido. Compuestos en su inmensa mayoría a cinco partes y con una estructura de líneas bastante variada -aunque nos encontremos con que la distribución: svperivs, altvs, tenor, tenor, bassvs, suele ser usada con mayor asiduidad-, Byrd despacha textos de interesante factura -alguno de ellos de excelente calidad literaria, me atrevería a decir- de una manera exquisita. Un claro ejemplo de ello lo encontramos en el melancólico y glorioso Ne irascaris Domine a 5.
Resulta admirable comprobar el inmenso talento con el que Byrd musicaliza los diveros textos latinos y de qué manera va adecuando el cariz de la pieza a la exigencias textuales. De esta manera tenemos, por un lado, exultantes piezas como el Vigilate a 5, Luadibus in sanctis a 5 y el Exsurge Domine a 5, mientras que del otro lado nos encontramos con piezas de carácter más íntimo y quejumbroso, tales como Infelix ego a 6 o el propio Ne irascaris ya nombrado.

Destacar a estas alturas la absoluta genialidad de estos dos maestros resultaría, casi por completo, innecesaria, del mismo modo que lo haría el explicar porqué Stile Antico se ha convertido en tan poco tiempo en uno de los conjuntos punteros en la interpretación de la polifonía del Renacimiento. Escuchando este disco, todo tipo de dudas quedarán resueltas.
La claridad de líneas, la enorme calidad técnica y el conocimiento estilístico serían suficiente para alzarlos entre los mejores, pero es que además debemos sumarle la increíble hondura y expresividad con la que interpretan las piezas. Su sonido es british, sin duda, pero van un paso más allá, y esa frialdad que a veces se achaca a esos conjuntos británicos, excelentes técnicamente, pero a veces supuestamente superficiales, queda aquí absolutamente erradicada de cuajo.
Realmente no deja de sorprender la gran madurez vocal e interpretativa que demuestra este conjunto, más teniendo en cuenta la juventud de sus componentes, que en la grabación de este disco rondaba una media de tan sólo 25 años.

En definitiva, un disco absolutamente maravilloso, que no defrauda y que en opinión de este apasionado "byrdiano" contiene el mejor Byrd que jamás haya escuchado y uno de los mejores momentos discográficos que sus oídos hayan percibido, en el impresionante, hermoso por demás y subyugante Ne irascaris -y eso quiere decir mucho, créanme-.

William Byrd: Vigilate a 5

William Byrd: Ne irascaris Domine a 5

Ingleses x ingleses

2010-09-14T19:18:00.007+02:00

Con el comienzo del nuevo curso son muchas las discográficas que aprovechan para anunciar nuevos lanzamientos, de los que podemos denominar de importancia alta.
Me llaman poderosamente la atención, de entre los muchos, los siguientes, dedicados por entero a música inglesa e interpretados, del mismo modo, por conjuntos ingleses.

El primero de ellos -anunciado para el 20 de septiembre- viene de la mano del joven, laureado y por mí ya alabado conjunto Stile Antico, quienes bajo el título de Puer natus est, nos traen un disco dedicado, de manera mayoritaria, a la Missa Puer natus est, de Thomas Tallis, que el británico compusiera sobre el canto llano homónimo, y que nos presenta una singular estructura a siete partes, en la que todas las voces están repetidas a excepción de la de tenor.
Como complemento a la obra principal del cedé nos encontramos con piezas de otros maestros ingleses, como William Byrd, de quien se nos ofrecen varios motetes procedentes de su Gradualia I, de 1605; y otros motetes de John Taverner, John Sheppard y el propio Tallis, así como el Magnificat de Robert White. Como regalo para los compradores, parece que el disco consta de un bonus track en el que se interpreta una obra jamás grabada con anterioridad.
Un disco grabado en enero de 2010 y que nos sigue demostrando que estos jóvenes se están tornando como unos verdaderos especialistas en la música de la era Tudor.

El segundo de ellos, que también tiene como estrellas principales a los dos grandes talentos del Renacimiento inglés, viene de las voces del, también joven en cuanto a su tiempo de formación, conjunto Alamire, que dirige David Skinner y que parece será publicado en noviembre en su sello, Obsidian Records.
Se trata de un disco doble -al parecer, pues aún no se conoce mucha información al respecto del mismo- en el que se nos ofrece la integral de las Cantiones quae ab argumento sacrae vocantur, de Thomas Tallis y William Byrd y que fueran publicadas por Thomas Vautrollier en 1575, tras haberles sido concedida a ambos -ese mismo año-, por medio de su majestad Isabel I, la licencia absoluta y exclusiva para la publicación y venta de partituras.

En definitiva, dos excelentes discos, con música de grandes genios y dos conjuntos de calidad más que probada, de los que se espera mucho.
Aquí ya tienen un comprador seguro.

En la página de Alamire en Facebook se puede acceder a material audiovisual de la grabación del disco con fragmentos muy interesantes.

¡Victoria!

2010-07-05T12:02:00.007+02:00

Fecha: 28 de abril de 2010. 20:30 horas.
Lugar: Iglesia de Sant Felip Neri, Barcelona.
Contexto: Cuarto concierto del XXXIII Festival de Música Antiga de Barcelona, intitulado Europa 1610:Les Noves Musiques.
Programa: Requiem para el Renacimiento. Las últimas obras maestras de Victoria y Byrd.
Intérpretes: Stile Antico.

Jóvenes aunque sobradamente preparados. Esa podría ser, perfectamente, la frase que resumiera el buen hacer de este joven conjunto inglés.
Stile Antico es un conjunto británico formado por jóvenes cantantes profesionales, formados en varios de los mejores centros musicales de Gran Bretaña, como The Royal Academy of Music, Royal Opera House, Trinity College Cambridge, Oxford University, King's College London, y que a su vez han colaborado y han formado parte de algunos conjuntos de primer nivel mundial del Reino Unido, tales como The Brabant Ensemble, The Cardinall's Musick, Voces8, The King's Singers, Oxford Camerata, The Sixteen, Polyphony, Gabrieli Consort, The BBC Singers, Dunedin Consort, entre otros. Además, varios de ellos tienen formación como instrumentistas profesionales y otros son también directores de coro.
En definitiva, con semejante curriculum de voces, el resultado puede parecer evidente. Y así es, pero es que en este conjunto hay algo más que una serie de excelentes jóvenes cantantes. Resaltar que en 2005, cuando aún no habían dado el salto a la "fama", ya se alzaron con el primer premio en el prestigioso Early Music Network International Young Artists' Competition, dice mucho de la tremenda calidad que atesoran desde hace años. Pero lo que más llama la atención es la media de edad del conjunto, que en este momento rondará los 27-28 años, pero que hace cinco años, cuando obtuvieron aquel premio, resultaba insultante.
Y digo que hay algo más, porque observar sus interpretaciones es darse cuenta del profundo conocimiento estilístico y la hondura interpretativa que consiguen.

Se presentaban en España por segunda vez en su carrera-la primera fue el año pasado, en el Festival Internacional de Música y Danza de Granada- y lo hacían con un programa dedicado a una de las obras más geniales del Renacimiento español, como es el Requiem a 6 de Tomás Luis de Victoria. Una pieza que, a priori, requiere de un especial conocimiento del período, pues se trata de una obra de especial profundidad espiritual y una complejidad estructural notable.
El programa, como se ve, se planeó intercalando los movimientos del Requiem con otras piezas sacras de William Byrd, correspondientes a su colección Gradualia I. Dicha estructuración, si bien puede resultar más amena para los no "entendidos", a mí no terminó de satisfacerme, pues hace perder la importante unidad de la pieza de Victoria. Hay que destacar que tanto la misa de Victoria como el ciclo de motetes de Byrd, fueron publicados el mismo año de 1605, convirtiéndose en unas de las últimas piezas de los autores, piezas absolutamente maestras, por otra parte.

Ya conocía su buen hacer en la interpretación de compositores ingleses, su auténtica especialidad y que han plasmado convenientemente en tres de los cuatro álbumes que actualmente tienen publicados -graban para Harmonia Mundi-, pero me surgían algunas dudas en su interpretación de la obra de Victoria, y más tratándose de una obra tan reflexiva como esta, pues sólo conocía su interpretación de un par de motetes del abulense, grabadas en su tercer disco.
Es cierto que mis expectativas hacia el concierto eran realmente altas, pues es un conjunto que en poco tiempo ha conseguido encandirlarme y atraparme. A pesar de todo ello, he de confesar que cumplieron y superaron mis expectativas con creces.

El sonido de Stile Antico, si bien es un sonido british, en el sentido más elogioso del término, tampoco es el típico sonido inglés al que otros conjuntos de fama nos tiene acostumbrados. La formación base del conjunto es de tres voces por cuerda. En este caso, dado que el Requiem a 6 está compuesto para svperius, svperivs, altvs, tenor, tenor y bassvs, añadieron un cuarto tenor al conjunto, para afrontar con dos por línea la versión, dejando, sin embargo, sólo tres sopranos, es decir, una sola en una de las líneas de superivs -que por cierto, cubrió a la perfección una de las hermanas Ashby-. Y digo que no es un sonido british al uso por varias razones: no utilizan contratenores para las líneas de alto, consiguiendo una sonoridad muy natural y poderosa; el color de los tenores es algo más obscuro y contundente y los bajos suenan con mayor presencia y un sonido más cuidado. El sonido de las sopranos sí se asemajea más a lo acostumbrado, con una brillantez y pureza envidiables. En algunos momentos, ninguna de las líneas duda en utilizar pequeños vibratos controlados para enfatizar ciertos pasajes, un recurso que no suele resultar molesto, aunque a veces resulta algo excesivo para mi gusto.

Su interpretación de Victoria resultó brillante, pues la claridad de líneas era asombrosa y la hondura expresiva terminó por subyugarme. Resulta extraordinario presenciar la gran compenetración que existe entre ellos y la eficacia y precisión de las entradas, cortes, juegos melódicos... que consiguen sin tener un director delante -algo que muchos deberían aprender-. Salvo en ciertos momentos de entradas, sobre todo en el canto llano, la precisión exhibida fue pasmosa. Interpretaron las piezas mezclando las voces, es decir, no cantando ningún cantante de la misma línea junto al otro -lo que algunos llaman colocación amerciana- y que es un recurso excelente para locales con buena acústica -como en este caso-, pero que en ocasiones conlleva inexactitudes rítmicas y melódicas -no fue el caso-. Realmente las líneas se mezclan y cohesionan bien con esta colocación, pero no sé si realmente me gusta par estos repertorios renacentistas.
Los motetes de Byrd, sin ser algunos de los más inspirados -desde mi punto de vista- resultaron excelentes en la interpretación. El repertorio inglés lo asumen como propio y eso se nota; además, Byrd es un compositor que comprenden, analizan y retratan realmente bien. Su Iustorum animae, Nunc dimittis o In manus tuas, resultaron ciertamente bellos y emocionantes.

En definitiva, un concierto realmente espléndido -diría que de lo mejor que he podido presenciar y ya llevo muchos a mis espaldas- y que no olvidaré con facilidad. La música, acústica, ambiente e interpretación se aunaron para crear algo único, mágico y especial. Presenciar propuestas de este tipo es algo muy poco habitual en nuestro país y sólo por eso ya deberíamos congratularnos.
Para un servidor, dignos herederos de The Tallis Scholars, así pues: "Larga vida a Stile Antico!

Tomás Luis de Victoria (1548-1611): Graduale, del Reqeuim a 6
Álbum: Requiem
The Tallis Scholars - Peter Phillips
Gimell Records 1987

William Byrd (c.1540-1623): Nunc dimittis a 5, de Gradualia I
Álbum: Music for Compline
Stile Antico
Harmonia Mundi 2007

Unas vísperas "arpegiadas"

2010-06-22T11:55:00.008+02:00

Fecha: 25 de abril de 2010. 20:30 horas.
Lugar: Sala Pau Casals, L'Auditori, Barcelona.
Contexto: Segundo concierto del XXXIII Festival de Música Antiga de Barcelona, intitulado Europa 1610:Les Noves Musiques.
Programa: Claudio Monteverdi, Vespro della Beata Vergine.
Intérpretes: L'Arpeggiata - Christina Pluhar, dirección.

El conjunto francés L'Arpeggiata, de sobra conocido por todos, se presentaba en Barcelona, dentro de su gira europea, para dar cuenta de la que había ido su reciente grabación discográfica -aún sin presentar y realizada en la localidad francesa de Metz-, dedicada de manera monográfica a las vísperas monteverdianas.
Poco o nada se puede decir ya de ese monumento sacro de Il Divino Claudio, publicado en el año 1610 y que no sea ya conocido, así pues, aquí os dejo un enlace en el que conocer algún detalle más, para aquel que no tenga tan claros los entresijos de esta magna obra.

Me centraré, pues, en la interpretación del concierto.
Teniendo en cuenta la profusión de grabaciones discográficas de esta obra, algunas de ellas de impresionante calidad musical y totalmente referenciales, como pueden ser las versiones de Herreweghe, McCreesh, Garrido, Jacobs, Parrott e incluso Savall, es más que probable que la necesidad de un nuevo registro resulte, a todas luces, más que innecesario, a no ser que dicho registro tenga algo nuevo y muy bueno que ofecernos; me temo que el registro de L'Arpeggiata no va a cumplir tales expectativas, a no ser que gusten de un Monteverdi desenfrenado, rítmico, casi jazzístico y algo folclórico -sí, hasta en la música sacra-. Y es que la visión de Pluhar para estas vísperas resulta similar a su visión monteverdiana mostrada en el disco Teatro d'Amore, que grabara hace un par de años.

Digamos que Pluhar gusta de recalcar los acentos de esta música, e incluso alterarlos en cierta manera, para lograr un desarrollo discursístico distinto del natural y que ella cree adecuado. Por ello no resulta extraño encontrarse con un walking bass realizado por los instrumentos graves de la cuerda. Tengo que admitir que iba con ciertas reticencias ante este concierto, pues ya conocía esta faceta de la arpista y tiorbista francesa -que se acrecentaron al observar la presencia de un psalterio en el conjunto instrumental, aunque finalmente no se contase con su concurso-, pero finalmente se contuvo, supongo que ese carácter sacro y más formal de estas piezas la echarían para atrás, y no se le fue la mano en exceso, aunque sí hubo toques de su hacer habitual que, para un servidor, desvirtuaron un tanto las bellas páginas del cremonés.

El apartado vocal rindió a un altísimo nivel.
La participación de Nuria Rial fue algo más que testimonial, pero pese a todo, nos volvió a demostrar que es una excelente cantante y que controla infinitamente el repertorio del seicento.
Raquel Andueza estuvo realmente inconmensurable. Otra auténtica especialista en la música italiana del XVII y a la que su continua formación polifónica ayudó muchísimo en los pasajes a tutti, a la hora de encarar las piezas on el carácter que merecen.
Muy bien también la inglesa Miriam Allan, con un timbre precioso y gran elegancia en su línea de canto.
Una grata sorpresa fue la de la mezzo Luciana Mancini, a la que no conocía. De timbre carnoso, supo hacerse un hueco y estuvo muy presente en la sonoridad del conjunto -lo que no siempre es fácil para la línea de alto-. Pascal Bertin pasó desapercibido, tanto por su breve concuro en el concierto, como por su más que discreta actuación.
Los tenores rindieron a un excelente nivel -globalmente y junto a las sopranos, la mejor cuerda-. Merecen especial mención Emiliano Gonzalez-Toro, realmente extraordinario en el Nigra sum sed formosa y el ya veterano y mítico Jan Van Elsacker, muy solvente y dramático en el Audi coelum. Los otros dos tenores, Markus Brutscher y Fernando Guimaraes, estuvieron bastante bien, pero a un nivel inferior que los dos anteriores. Cabe destacar la fluidez de los agudos del primero de ellos, aunque no destacasen por su delicadeza. En general, los tenores resultaron excesivamente rudos en ciertos pasajes a tutti, mostrando muy poca delicadeza y elegancia.
Los bajos también rindieron a gran nivel.
El barítono Fulvio Bettini, estuvo muy discreto y poco participativo -no es una voz que acabe de gustarme para estos repertorios-. Algo mejor, pero tampoco brillante, resultó la participación de Hubert Claessens. Quien, sin embargo, si bordó su presencia, fue el bajo portugués Joao Fernandes, que estuve sensacional, sobre todo en los graves.
En general un nivel más que bueno en las voces, sobre todo en las participaciones solísiticas más que en los pasajes más corales, donde se nota la presencia de cantantes solistas cantando en un conjunto y esto no siempre funciona.

El apartado instrumental también rindió a un nivel realmente elevado.
El continuo estuvo realmente brillante. Muy bien Pluhar -sentada de espaldas al público- y Daniel Zapico en las tiorbas -excelente el joven asturiano-, así como Christine Plubeau en la gamba. Los dos órganos positivos, a pesar de ser un número más elevado de lo normal, no se mostraron excesivamente presentes en la sonoridad global -incluso se les echó de menos en ciertos momentos-.
La parte de viento estuvo realmente bien representada. Doron Sherwin siempre es una garantía en el cornetto, a pesar de su galopante imaginación improvisatoria, y el resto de instrumentistas estuvo más que notable; recordemos que ahí hay figuras de la talla de Gebhard David.
Para terminar, la parte alta recayó en las manos de Mira Glodeanu y Veronika Skuplik, dos de las grandes figuras del violín barroco de nuestros días. Realmente estuvieron muy solventes, y salvo algún que otro pequeño problema de afinación en cierto momentos, su actuación fue muy notable. Se nota la gran complicidad que existe entre ellas.

En resumen, una buena interpretación, muy personal en lo que al concepto de la obra se refiere, muy buena en lo solísitico y no tanto en lo grupal y que en definitiva no pasará a los anales del tiempo como una visión magistral de una obra, esta vez sí, más que maestra. Esperaremos al registro, pero temo que aún puede empeorar en relación a este concierto. Veremos...

Claudio Monteverdi (1567-1643): Dixit Dominus
Álbum: Vespro della Beata Vergine
La Chapelle Royale, Collegium Vocale gent & Les Saqueboutiers de Tolouse - Philippe Herrewege
Harmonia Mundi 1987

Claudio Monteverdi (1567-1643): Pulchra es
Álbum: Vespro della Beata Vergine
La Chapelle Royale, Collegium Vocale gent & Les Saqueboutiers de Tolouse - Philippe Herrewege
Harmonia Mundi 1987

Entrevista a una fonoteca

2010-06-10T22:53:00.002+02:00

Hace algunos días, mi estimado y admirado Pablo, creador del blog La Lira de Orfeo, un extraordinario blog dedicado a sus pasiones musicales -que os recomiendo sin reservas-, me propuso un interesante proyecto para una entrada de su "lira", un proyecto que me pilló un tanto de sorpresa y me halagó realmente. Se trataba de realizarme una entrevista -¡sí, a mí!- en la que preguntarme sobre algunas cuestiones básicas de mi musicoteca y algunas más concretas, enfocadas a mi actividad musical más directa, como es el canto y en concreto el canto coral en dicha discoteca.
Esta entrevista forma parte de una serie, bajo el título de Mi discoteca personal, que mi amigo chileno está realizando a diversos personajes que él considera de interés dentro del mundo musical y cultural -lo que me hace preguntarme qué diantres hago yo ahí- y que haya ha llevado a cabo con el crítico musical Pablo J. Vayón y a la escritora e intelectual Ana de la Robla.

Pues bien, para aquellos que deseen conocer un poco más acerca de mi musicoteca y algunas opiniones acerca de la música coral del Renacimiento, barroco y el siglo XX y XXI, aquí os dejo el enlace a Mi discoteca personal: Mario Guada G.

Termino agradeciendo a Pablo su interés en mi persona, pues me siento muy honrado y ha sido un enorme placer responder a su cuestionario, el cual me ha traído de cabeza en algunas de sus preguntas. Espero que os guste.

Belleza a raudales

2010-05-20T17:45:00.024+02:00

Fecha: 17 de abril de 2010.
Lugar: Centro Cultural Miguel Delibes, Valladolid.
Contexto: Concierto número cuatro, dentro del Ciclo de Ópera y Grandes Voces del CCMD.
Programa: Sacrificium: La scuola dei castrati. Piezas de Nicola Porpora, Riccardo Broschi, Francesco Maria Veracini, Leonardo Vinci, Leonardo Leo, Francesco Araia, Carl Heinrich Graun, Alessandro Scarlatti, Antonio Caldara, y George Frideric Handel.
Intérpretes: Cecilia Bartoli & La Scintilla. Ada Pesch, concertino.

Belleza, emoción, maravilla, irrepetible, llanto, felicidad... Estos eran algunos de los apelativos que podían escucharse en el patio de butacas de la gigante sala sinfónica del CCMD vallisoletano, en el descanso y final del concierto que la inigualable mezzo romana, Cecilia Bartoli, tuve a bien interpretar dentro de su gira española, en la que presentaba su último registro discográfico -para el sello Decca-, dedicado a la figura de los cantores castrados en la Italia Barroca.
Es bien conocida, por todos los apasionados seguidores de la música barroca, la excelsa calidad de esta cantante, pero poder verla en directo siempre supone una experiencia especial e irrepetible, por todo lo que su figura despide.
Sobra decir que las casi 1800 plazas de la sala sinfónica -una de las más grandes de Europa, por cierto- estaban absolutamente repletas de público, un público de esos totalmente entragado a la "diva", respetuoso -salvo los "cenutrios" de siempre-, emocionado y deseoso de que el espectáculo no cesase por nada.

El programa -que adjunto en imágenes- fue realmente generoso y muy bello, seleccionando la totalidad de piezas aparecidas en el disco y alguna que otra más de lucimiento, a lo que sumar, también, fragmentos instrumentales intercalados entre las piezas vocales.
Para cualquiera que haya escuchado el disco, no es necesario señalar que en él hay de todo: desde arias meramente virtuosísticas, en las que Bartoli muestra todo su potencial técnico, hasta otras arias realmente expresivas, donde los tempi lentos son los elegidos, arias en las que poder mostar que no todo son fuegos de artificio en el canto de la mezzo. Destacar algunas de las piezas resulta realmente complejo, pero he de admitir que me quedé realmente sorprendido con la indescriptible belleza de algunas de las arias no aparecidas en el disco, como la de Graun, que destaca por la tersura de las cuerdas que se balancean en las partes más graves del pentagrama, y Chi non sente al mio dolore, de Broschi, un aria realmente emocionante, que nos muestra la más cruda agonía de un ser que lo ha perdido todo. Otro momento absolutamente magistral fue cuando nos ofreció, de segunda propina, el famoso Lascia la spina, cogli la rosa, de Handel. Posiblemente se trate de la mejor versión que haya escuchado nunca, con una dulzura y delicadeza pasmosas y un acompañamiento instrumental digno del nivel vocal exhibido. Además, el impresionante da capo, en el que no realizó ornamentación alguna, sino que lo hizo en pp, terminó de dejarme helado. Algo mágico.

Bartoli se mostró segura en todo momento, sonriente, feliz, expresiva, emocionada -no deja de sorprender la facilidad que tiene para interiorizar los papales que interpreta-, vibrante, etc. La línea de canto de la romana ya no supone un secreto para nadie. No es una voz grande, bien cierto es, pero no dejar de ser curioso y reivindicativo que la que es, posiblemente, la voz que se está "comiendo" buena parte el panorama musical hoy día, sea una de esas que algunos llaman "pequeñas". Puede que no tenga una proyección bestial -aunque no es cierto eso que algunos comentan de que a partir de la fila 10 se la deja de oir-, pero lo que hace esta dama no está al alcance de prácticamente nadie más que ella misma. Su facilidad para la coloratura, su increíble fiato, su expresividad vocal, sus apabullantes "pianos", sus tenuti fuera de lo común, su elegancia en el fraseo, la sorprendente precisión de sus staccati, la tremenda exigencia en cada nota que canta, esa solvencia técnica que la permite coger una nota en piano, aumentarla una octava y mantenerla ahí, con un sonido nítido pero casi inapreciable, y hacer con ella lo que quiere, manteniéndote en vilo; en fin, una pasmosa superioridad vocal, que no hace sino convertirla en la cantante mejor dotada técnicamente que yo haya escuchado. Pero no es sólo eso, pues uno puede pensar "vale, es muy buena, pero ¿consigue emocionar o es sólo una máquina de soltar notas a una velocidad vertiginosa?" Pues bien, no es que sólo sea capaz de interpretar, con la misma solvencia, arias de bravura de las más endiablada complicación, sino que también es capaz de regalarse momentos realmente mágicos, interpretando arias lentas, esas de hondura y calado expresivo, esas que hacen que te quedes pegado al asiento, pero además te desborda el verla meterse en el papel, sufrir los avatares del protagonista y terminar con los ojos vidriosos y necesitando tiempo para asimilar lo que acaba de expresar. Eso, queridos lectores/as, no está al alcance de casi nadie. Por todo ello, me parece una cantante superlativa, única, irrepetible y nacida para hacer lo que hace.

El acompañamiento orquestal corrió a cargo de la orquesta barroca suiza La Scintilla, una de esas formaciones de cámara que se extraen de otras orquestas convencionales -la de la Opernhaus de Zurich, en este caso- y que actúan sin un director fijo. En este caso, la mano maestra recayó sobre la violinista barroca estadounidense Ada Pesch, conocida figura del panorama internacional y perfecta conocedora del instrumento orquestal que tenía entre manos.
Empezaron algo fríos, intentando aclimatarse a la sala y las condiciones vocales de Bartoli, pero rápidamente comenzaron a ordenarse, y tras unos pequeños problemas de afinación con los violines barrocos segundos y algún que otro desajuste rítmico, La Scintilla empezó a mostrar porqué fueron elegidos para acompañar a la mezzo durante varios conciertos europeos. Los suizos no son Il Giardino Armonico, es decir, no cabe esperar desatados ritmos, ni vigorosas interpretaciones en las arias de bravura. La Scintilla es un conjunto más comedido en su manera de afrontar la agógica y dinámica de las piezas, sin embargo, se mostraron bastante enérgicos, bravos en las arias rápidas y realmente muy líricos en las lentas -donde obtuvieron sus mejores resultados- . Supieron en todo momento graduar su sonoridad y arropar en justa medida a Bartoli -quizá en exceso en ciertas ocasiones, donde apenas se les escuchaba-. Asumieron un papel secundario en las arias, mientras que exhibieron todas sus armas en las piezas puramente instrumentales. Cabe destacar su excelente interpretación en la Sinfonia de Scarlatti y la obertura de Porpora.
El nivel de los solistas, sobre todo los vientos, rozó la excelencia en muchos momentos. Mención especial merecen las flautas de pico y traversos barrocos, así como las trompas barrocas.
El sonido de las cuerdas resultó muy terso, elegante y refinado y el continuo muy apropiado y discreto en su justa medida -en ocasiones excesivamente discreto en el clave-.
Ada Pesch rindió a un gran nivel y consiguió llevar a sus compañeros por donde quiso, lo cual no deja de tener su mérito.

En definitiva, un espectáculo absolutamente memorable. Y lo fue porque no todos los días uno es capaz de sobrecogerse de esa manera en un acontecimiento musical. Bartoli tiene la magnífica cualidad de conseguir emocionar y abocar al llanto al público a su voluntad, lo cual también está al alcance de muy pocos. Conseguir que muchos nos quedemos con la Bartoli expresiva y emocionante de las arias lentas, en vez de la celebérrima Bartoli de la bravura, la más "comercial", si se quiere, no deja de decir mucho a su favor.
Un concierto inolvidable, muy visual, pero sobre todo cercano y bello, sublime por encima de todo. No quiero terminar sin rendirle el homenaje que se merece a tan increíble música. Estas obras, a pesar de su claro enfoque virtuosístico, no están, para nada, exentas de una superlativa calidad estructural y compositiva, además de contener en sus pentagramas momentos realmente tan bellos como puedan contener algunas de las páginas más recordadas de la historia.

Para terminar, me gustaría hacer referencia a la increíble calidad humana de Cecilia, sólo comparable a su calidad como cantante. Tras dos horas y media de concierto tuvo la amabilidad de salir a saludar a los múltiples seguidores que allí se encontraban esperándola. Regaló una hora y media de su tiempo a la gente, firmando autógrafos, haciéndose fotos y hablando largo y tendido con cada una de las personas allí congregadas, en un acto de simpatía como casi nunca he presenciado. Estuvo tan cercana, amable y adorable, que realmente uno se termina de dar cuenta de lo necesarias que son más personas como esta, que son capaces de emocionarte hasta el extremo y luego enjugarte las lágrimas que te ha provocado.

Francesco Araia (1709-1770): Aria Cadrò, ma qual si mira, de la ópera Berenice
Álbum: Sacrificium
Cecilia Bartoli & Il Giardino Armonico - Giovanni Antonini
Decca Classics 2010.

Antonio Caldara (1670-1736): Aria Quel buon pastor son io, de La morte d'Abel figura di quella del nostro Redentore
Álbum: Sacrificium
Cecilia Bartoli & Il Giardino Armonico - Giovanni Antonini
Decca Classics 2010.

Ensayo: el arte del trabajo

2009-12-11T18:37:00.014+01:00

Por amistad con Albert Recasens, director del conjunto de música antigua español La Grande Chapelle, así como encargado del sello discográfico y la agencia de representación Lauda Música, que lleva la representación en nuestro país de varios conjuntos, pude acceder, hace ya algún tiempo, a disfrutar del ensayo -previo a un concierto ofrecido en el Auditorio Ciudad de León- de uno de mis grupos predilectos: el conjunto belga Huelgas-Ensemble, que dirige Paul Van Nevel, como es bien sabido.
Como considero esta una experiencia muy interesante y que no todo el mundo tiene la oportunidad de presenciar, he decidido contárosla en este espacio.
Iba con un poco de respeto, pues es bien conocido el carácter, algo peculiar y agrio, de Paul Van Nevel, que ya ha suspendido ensayos o echado de estos a muchas personas que no son de su agrado; pero bueno, al final no hubo problema alguno. En dicho ensayo tan sólo nos encontrabámos, la manager del conjunto, la mano derecha de Van Nevel, Albert y yo mismo, con lo cual, ya os podéis imaginar la sensación que me produjo estar ahí en ese momento (sinceramente, me sentí un auténtico privilegiado).
Al contrario que otros muchos grupos, "el Huelgas" suele acudir a una ciudad en la que tenga que actuar unos cuatros días antes del concierto (otros muchos suelen acudir un día antes e incluso el mismo día), si no tienen fechas en días continuos, obviamente. El caso de León fue este, pues el grupo llevaba cuatro días en nuestra ciudad. Pero lo realmente sorprendente de este conjunto y más teniendo en cuenta su nivel interpretativo, es el número de sesiones de ensayos que realizan al día y que asciende, nada más y nada menos, que a siete por día. Sí, habéis leído bien, este conjunto ensaya siete veces cada día y en sesiones bastante amplias. El ensayo que yo tuve la oportunidad de presenciar duró una hora y media y según se me comentó, aún tenían otro pequeño ensayo de "repaso" antes del concierto, que comenzó a las 20:30 horas.

El ensayo consistía en la interpretación de ciertas partes de las misas que se iban a interpretar -el programa que se interpretó consistía en las tres misas que se han registrado en su último álbum para Harmonia Mundi, La Quinta essentia-, fragmentos de movimientos que Van Nevel iba indicando a sus cantantes. Tras la indicación del movimiento concreto (en tres idiomas, puesto que yo le observé hablar con sus músicos en inglés, francés y alemán), Van Nevel daba la afinación. El maestro belga no es de los que da toda la serie de notas del acorde correspondiente, ni siquiera da una nota en alto sobre la que cogerlas los demás, Van Nevel golpeaba su diapasón y lo colocaba en el atril para hacerlo sonar y de ahí, cada uno cogía su nota.
Van Nevel resulta treméndamente escrupuloso y si no le gustaba cualquier mínimo detalle, no tenía reparo alguno en volver a comenzar. Siempre tomaba la afinación tras finalizar cualquier fragmento, para asegurarse que todo había ido correcto.
Los cantantes, que se encontraban siempre en pie, se sentaban en las partes en las que no intervenían, para volver a levantarse de nuevo al intervenir. El silencio era total y absoluto, sin un instante para bromas -creo recordar que tan sólo hubo un momento, de unos diez segundos de duración, en el que se rieron-. Esta seriedad y obcecación por el trabajo puro y duro me soprendió mucho, pues uno siempre piensa que la gente tan preparada no necesita de tanto esfuerzo para conseguir esos resultados tan exquisitos que luego escuchamos. Durante toda la hora y media de ensayo tan sólo hubo un breve descanso de cinco minutos, entre una misa y otra, que los cantantes aprovecharon para moverse un poco, ¡pero no hablaba nadie! Y a los cinco minutos, sin necesidad de que nadie les dijera nada, los cantantes ya estaban colocados en su sitio, preparados de nuevo, al 100%.
Me soprendió gratamente comprobar el buen rollo que había entre los propios cantantes, a pesar de la terrible seriedad del ensayo y de estos con Van Nevel -a pesar de lo comentado de su genio-, que se notaba no en una relajación de los mimos, sino es una complicidad especial durante las interpretaciones. Van Nevel tuvo momentos de sonrisas para sus cantantes, consejos e indicaciones, constantes indicaciones, pero sin parar la música, sino sobre ella, anticipándose a las partes en las que podría haber problemas. Así, sus sssssshhhhhh!, cuando se pasaban con la intensidad en ciertas líneas o su recurrente Text!, en las partes en las que no gustaba de la pronunciación. Además, me encantó observar como, de vez en cuando, surgía alguna que otra sugerencia de sus cantantes, sugerencia que era tenida en cuenta, de una manera totalmente natural, por parte de Van Nevel.

El belga tiene un gesto bastante delicado, sutil en ciertos momentos y resulta bastante detallista, siempre muy pendiente de las entradas, prestar atención al texto, los fraseos y las dinámicas de acuerdo a estos, el sonido de la sala, el equilibrio entre líneas, cada voz de manera individualizada -no tiene reparos en "echar broncas" de manera personal a un cantante-, en definitiva, está en todo.
Me quedé impresionado del increíble ritmo de ensayo que llevaban, que ya me parecía tremendo antes de saber que hacían lo mismo siete veces al día.
Pero bueno, también alivia comprobar que no todo es tan perfecto e e inhumano como parece, puesto que estos profesionales también se equivocan, entran a destiempo y se bajan en ciasrtos momentos, aunque claro, esos fallos son subsanados al instante y nunca más se vuelven a repetir. La rapidez con la que arreglan los errores me fascinó y supongo que eso es lo que distingue a un buen grupo de otro excelente.
En fin, tras observar aquello, no pude menos que reflexionar sobre algunas cosas y preguntarme como es posible que alguien de esa calidad ensaye a aquel ritmo, con aquella seriedad, aquella concentración y aquella paciencia siete veces al día. Sobre la conveniencia o no de este ritmo de ensayo, se puede hablar largo y tendido. A mí me parece realmente excesivo y más para un conjunto de estas características (ahora bien, así suena como suena...). Creo que trabajar siete veces al día, durante un número elevado de días el mismo repertorio, es peligroso, pues puede restarle frescura a las interpretaciones y convertirlas en algo mecánico, si no se está muy concentrado. No obstante, es evidente que esto no le pasa a este conjunto, a tenor de lo visto, pero creo que es algo realmente a tener en cuenta. También se puede por terminar cansando, si uno no está comprometido al máximo con el proyecto y puede causar problemas internos -de hecho, algo de esto le sucede a Van Nevel con su grupo, con el que ha cambiado de plantilla en varias ocasiones, por este tipo de problemas, como se me comentó-.

En definitiva, una experiencia fascinante, que recomiendo encarecidamente a todo aquel que pueda acceder a ella, pues es en estos momentos donde uno tiene delante la verdadera esencia del conjunto -en una sesión de grabación también sucede- y que guardaré siempre en mi memoria, a la espera de que pueda repetirse, con este u otro conjunto.

Os dejo dos pistas del disco en cuestión sobre el que versó el ensayo y el concierto posterior, para disfrute de todos los seguidores de los belgas, que me consta son muchos.

Thomas Ashewell (c.1478-c.1513): Gloria, Missa Ave Maria a 6.
Álbum: La Quinta essentia.
Huelgas-Ensemble - Paul Van Nevel, dirección.
Harmonia Mundi 2007.

Giovanni Pierluigi da Palestrina (1525-1594: Kyrie, Missa Ut re mi fa sol la a 6.
Álbum: La Quinta essentia.
Huelgas-Ensemble - Paul Van Nevel, dirección.
Harmonia Mundi 2007.

26 años de FIOCLE

2009-09-16T15:13:00.009+02:00

Como sucede cada año, a finales de septiembre, el Festival Internacional de Órgano Catedral de León (FIOCLE) -que pasa por ser el festival de música más importante de la ciudad- abre sus puertas al ávido -y en muchas ocasiones no tanto- público leonés y de alrededores.

Este año se celebra la vigésimo sexta edición y tras una muy descafeinada celebración del 25 aniversario de su creación -con una programación bastante pobre, a excepción de algunas perlas-, debida, en buena medida, a los graves problemas económicos que este festival tiene para subsistir cada año -ocasionados por las consabidas dificultades que mantienen las arcas municipales y que han convertido a León en una de las capitales europeas más morosas en el terreno musical (este es otro tema sobre el que hablaremos largo y tendido en otras ocasiones)-, parece que este año sí que hay una programación sólida y con varios eventos de sumo interés. Como siempre, me centraré en los que desde mi perspectiva vital considero más importantes.

La presente edición comienza el viernes 18 de septiembre con un concierto -a celebrar en la Catedral y que empezará a las 21 horas- en el que el conjunto Il Suonar Parlante, que dirige el gran violagambista Vittorio Ghielmi nos ofrecerán un programa que conmemora el 300 aniversario de la desaparición de Giuseppe Torelli y en el que se interpretarán obras de Antonio Vivaldi, Georg Philipp Telemann y el propio Torelli. Se contará con la participación solística, además, del trompetista barroco Gabriele Cassone y la gran flautista de pico Dorothee Oberlinger.
El sábado 26 y también a las 21 horas y en la Catedral, el organista leonés Adolfo Gutiérrez Viejo continuará con la integral del corpus organístico de Johann Sebastian Bach que está llevando a cabo a lo largo de los años, con la interpretación de algunas piezas del Orgelbüchlein.
Al día siguiente -comienzo a las 20 horas y en el mismo lugar-, el Ishbilya Consort, conocido consort de violas español, junto a la particpación del organista Andrés Cea, nos ofrecen un programa titulado "Sebastián Raval y la música del Seicento italiano para órgano y concerto di viole".
Y pasando ya al mes de octubre, nos encontramos con que el celebérrimo conjunto español Schola Antiqua, que dirige Juan Carlos Asensio y contando con la participación de otro organista leonés, Roberto Fresco, nos ofrecen un programa con el estreno y recuperación de obras del Archivo Musical de la Catedral de León y con una reconstrucción de un Oficio de Vísperas del Común de Confesores con órgano, fabordón y canto llano alternatim (ss. XVI-XVII) para San Froilán, el patrono de la ciudad, en uno de los conciertos que promete grandes momentos. Al día siguiente, con comienzo a las 18 horas, tendrá un lugar la interpretación de dichas obras durante la propia celebración del oficio religioso en la S.I. Catedral.
Como no podía ser de otra manera, el órgano forma parte sustancial de este festival y son varios los conciertos de órgano que pueden escucharse, tanto en la Catedral leonesa, como en otras iglesias locales y en diversos municipios de la provincia. El repertorio va desde el barroco europeo y español, hasta nuestro siglo, con obras de vanguardia y estrenos mundiales, pasando también por el XIX.
Para finalizar el festival -el día 24 de octubre a las 21, aunque pasan también por las catedrales de Zamora, Palencia y Valladolid- y como viene siendo habitual desde hace años, el FIOCLE se alía con la obra social de Caja España para presentarnos una agrupación de renombre mundial. Por estos llamados "conciertos extraordinarios del día del ahorro" han pasado nombres tan importantes como The English Concert y Trevor Pinnock, The Orchestra of the Age of Enlightenment y Gustav Leonhardt, La Petite Bande y Sigiswald Kuijken, Cappella de'Turchini y Antonio Florio, Freiburguer Barockorchester y Marcus Creed, La Stagione Frankfurt y Michael Schneider, The Netherlands Bach Society y Jos Van Veldhoven y el Collegium Vocale Gent y Philippe Herreweghe, entre otros...
Pues bien, para este año se anuncia la presencia de uno de los grupos ingleses con mayor tradición en la interpretación de la música antigua: The New London Consort, que dirige Philip Pickett. Nos acercan un programa que conmemora el 350 aniversario del nacimiento del gran maestro británico Henry Purcell. Se interpretarán obras del propio Purcell y el Dixit Dominus RV 595 de Antonio Vivladi.

Una edición que promete grandes momentos de música y en lugares realmente increíbles que conjugan de manera armónica música y arte.
Para obtener toda la información acerca del FIOCLE y el programa completo, aquí se puede visitar su web.

El tirón de la música antigua

2009-06-29T15:56:00.004+02:00

Uno, ante la avalancha de agoreros que dicen que la música antigua fue una moda pasajera y que ante el paso de la novedad ya está entrando en su declive y ante aquellos que dictan la sentencia de extinción para el disco, tal y como lo conocemos hoy día, se siente treméndamente feliz en días como hoy.
Y eso se debe a que, haciendo la visita diaria obligada a la página de Diverdi, se encuentra con lo siguiente: nueve de los diez discos que figuran entre los más vendidos corresponden al campo de la música antigua.
Hay algunas grabaciones que podamos tildar de más superventas, pero la variedad de la selección y el número tan elevado de ellas, resultan una feliz noticia.
En dicha lista encontramos -encabezando las ventas- el último disco de La Venexiana dedicado a los Scherzi Musicali monteverdianos. El número dos es para el nuevo disco de El Concierto Español (Emilio Moreno), registro dedicado a la tonadilla del XVIII. En tercer lugar ese popurrí de músicas de ministriles que Savall acaba de reeditar. El cuarto puesto es para I Barocchisti (Diego Fasolis) y Duilio Galfetti, en un registro de conciertos para violín -reciente aparición en la Vivaldi Edition-. Para el quinto lugar está reservado el disco de Vísperas en la Corte Imperial de Viena, con Arsys Bourgogne y L'Arpeggiata -un disco con obras de Fux y Sances entre otros-. Para encontrar el Dahpnis & Chloé de Boismortier, con Le Concert Spirituel (Hervé Niquet), tenemos que acudir al sexto lugar -en una reciente reedición de este álbum-. Tras este, en el séptimo puesto, tenemos una antología de obras del renacimiento -con autores como Ockeghem, Desprez, Isaac, De la Rue- que gira alrededor de deploraciones y lamentos, interpretados por el conjunto británico The Clerks' Group (Edward Wickham). El octavo puesto, ocupado por una obra de Rimsky-Korsakov, es el único no presente con música anterior al XVIII. Para el noveno puesto nos queda el último disco del traversista Alexis Kossenko, acompañado por los polacos Arte dei Suonatori, en el segundo álbum que dedican a los conciertos para traverso de Carl Philipp Emanuel Bach. Y para el último puesto ha quedado la última grabación de los rompedores Graindelavoix (Björn Schmelzer), con un repertorio dedicado al culto de Maria Magdalena a comienzos del siglo XVI.

Sin duda, produce mucha satisfacción observar como todavía parece haber gente en este país que aprecia lo bueno -aunque raro- y consume dichos productos. Que sea por muchos años...

Dos versiones para un genio contemporáneo

2009-06-10T15:40:00.015+02:00

Para aquellos que se dedican -en mayor o menor medida- a la música coral contemporánea, pronunciar el nombre de Eric Whitacre supone mucho, muchísimo. Estadounidense y aún treintañero, su fama entre los coralistas de todo el mundo y aquellos amantes de la música coral contemporánea -sin tener que interpretarla forzosamente, que también son muchos- es brutal, como demuestran fehacientemente el número de visitas recibidas y descargas obtenidas en su página oficial, myspace, perfil en Facebook, blog personal y las innumerables entradas que en los buscadores aparecen, nos demuestra que es un autor global, que además ha sabido utilizar de la manera más positiva posible las nuevas tecnologías al servicio de la creación artística.

Formado en la University of Nevada y The Juilliard School -en estas última bajo el acogimiento de John Corigliano y David Diamond-, este joven es mundialmente reconocido por su obras corales, aunque ha escrito y arreglado obras para diversas formaciones, tales como conjunto de metales, conjuntos de cuerda, bandas de música, orquesta e incluso una ópera electrónica titulada Paradise Lost: Shadows and Wings, en la que, sobre el poema épico de John Milton, hace una recreación por medio de la música electrónica, ambiental, trance y techno.
No obstante, su fama se ha ido forjando por medio de sus obras corales, auténticas joyas del género, en las que se muestra heredero de los grandes polifonistas del renacimiento, los grandes coralistas del romanticismo y los mejor de cada escuela contemporánea. Whitacre se ha hecho famoso a través de un estilo muy reconocible -algunos lo comparan con el del también genial Morten Lauridsen, aunque con técnicas algo más novedosas-, estilo que ha forjado a base de la utilización de acordes de séptima y novena -con o sin suspensiones de segunda y cuarta-, series armónicas, inversiones de acordes, series de progresiones... una serie larga de técnicas que han derivado, incluso, en lo que se ha denominado como "acordes Whitacre", conjugado con un sensacional uso del ritmo, mediante el uso de patrones infrecuentes y su gusto por su mezcla y alteración. Melodías muy bellas, armonías subyugantes y los sobrecogedores armónicos que consigue crear, acaban por formar un ambiente de sosiego y calma realmente apabuyante -todo ello resumiéndolo muchísimo, como es obvio-.

Pues bien, el fin de esta entrada de hoy es, aparte de para mencionar la figura y extraordinaria calidad de este compositor, no es otro que el de realizar una comparativa entre dos álbumes que dedican, de manera monográfica, su contenido a la obra de este maestro.
El primero de ellos, aparecido en 2002 y publicado bajo el sello estadounidense Arsis Audio, lleva por título The Complete A Cappella Works 1991-2001 y está protagonizado por Brigham Young University Singers, bajo la dirección de Ronald Staheli.
El segundo en "discordia" es el disco titulado Cloudburst and other choral works, un álbum aparecido en el sello inglés Hyperion en 2006 y que está protagonizado por Polyphony y la dirección de Stephen Layton.
Ambos discos tienen la tremenda cualidad de estar dedicados por entero a la obra coral del maestro y aunque tienen un número muy alto de obras coincidentes, el primero contiene una obra y el segundo tres obras que no contiene el otro disco. Hay que destacar que sendos discos están realmente bien interpretados y el canto de ambos conjuntos es sobresaliente, pero las bondades de uno de ellos hacen que el otro quede ensombrecido.

Aquí dejo mi análisis comparativo y al final de la entrada una muestra de tres piezas, en sendas versiones -primero la de los BYU y luego Polyphony-: Sleep (una de sus piezas más conocidas e interpretadas. Maravillosa), Cloudburst (una obras muy singular, colorista y estremecedora) y When David heard (su auténtica obra maestra y un monumento coral de todos los tiempos):

En definitiva, Polyphony se erige como la opción más apropiada -de manera aplastante-, al igual que sucede con otras tantos compositores contemporáneos. En sus filas, varios de los cantantes ingleses más reputados en la interpretación de polifonía renacentista -ver esos nombres es asociarlos, de manera automática, a los grandes grupos de ese repertorio- y que junto a su calidad vocal y el buen hacer del maestro Layton en esas lides, les convierten en el mejor coro del mundo en la interpretación de los Whitacre, Lauridsen, Pärt, Tavener, MacMillan, Jackson -su último compositor interpretado y grabado-, Rutter... en opinión de un servidor y con el resultado que su discografía nos ofrece.
P.S. Otro de los motivos favorables a la versión de Polyphony, aunque no figure en la comparativa, es la toma de sonido del disco -algo siempre necesario en un disco de música culta, pero aún más, si cabe, en un disco en el que un coro se enfrenta a toda la grabación, con su sonoridad bastante limitada en ocasiones, aunque sea limitada a voluntad-, bastante mediocre en el caso de Arsis y notable en Hyperion.

Eric Whitacre (1970). Sleep
Álbum: The Complete A Cappella Works 1991-2001
Brigham Young University Singers - Ronald Staheli
Arsis Audio 2002

Eric Whitacre (1970). Sleep
Álbum: Cloudburst and other choral works
Polyphony - Stephen Layton
Hyperion 2006

Eric Whitacre (1970). Cloudburst
Álbum: The Complete A Cappella Works 1991-2001
Brigham Young University Singers - Ronald Staheli
Arsis Audio 2002

Eric Whitacre (1970). Cloudburst
Álbum: Cloudburst and other choral works
Polyphony - Stephen Layton
Hyperion 2006

Eric Whitacre (1970). When David heard
Álbum: The Complete A Cappella Works 1991-2001
Brigham Young University Singers - Ronald Staheli
Arsis Audio 2002

Eric Whitacre (1970). When David heard
Álbum: Cloudburst and other choral works
Polyphony - Stephen Layton
Hyperion 2006

"El Huelgas" vuelve a casa (Secunda Pars)

2009-05-29T11:21:00.012+02:00

Bien, pues ante lo anunciado en una anterior entrada de este doblebarra -del pasado 15 de mayo, para ser exactos-, vengo aquí de nuevo para terminar de cerrar la información acerca de aquella caja conmemorativa, que de la vuelta del conjunto a la que ha sido su casa durante largo tiempo, se había comentado. Se que son varios los lectores ansiosos por conocer el contenido -como se me ha hecho saber- así pues, vamos con ello.

El título bajo el que será ofrecido será el siguiente -a muchos le sonará por llevar el mismo título que aquel maravilloso disco dedicado a Agricola, a excepción del epígrafe que le sigue-: A Secret Labyrinth. A Celebration of Music from the Middle Ages to Renaissance.

Esta será la minimalista -aunque bella- portada programada para esta caja y cuyo contenido ya ha sido desvelado -muy, muy suculento-. Será el siguiente:

CD 1: Codex Las Huelgas - Music from 13th Century Spain
CD 2: Febus Avant! - Music at the Court of Gaston Febus (1331-1391)
CD 3: Music from the Court of King Janus at Nicosia (1374-1432)
CD 4: Utopia Triumphans
CD 5: Alexander Agricola (1446-1506) - A Secret Labyrinth
CD 6: Mattheus Pipelare (c.1450-1515) - Missa "L'homme armé" - Chansons - Motets
CD 7: Antoine Brumel (c.1460-c.1520) - Missa "Et ecce terrae motus"
CD 8: Mateo Flecha el Viejo (1481-1553) - Las Ensaladas
CD 9: Constanzo Festa (c.1490-1545) - Magnificat - Mass parts - Motets - Madrigals
CD 10: Nicolas Gombert (c.1500-c.1557) - Music from the Court of Charles V
CD 11: Pierre de Manchicourt (c.1511-1564) - Missa "Veni Sancte Spiritus" - Motets - Chansons
CD 12: Orlando di Lasso (1532-1594) - Lagrime di San Pietro
CD 13: Jacobus Gallus (1550-1591) - Opus musicum - Missa super "Sancta Maria"
CD 14: Canções, Vilancicos e Motetes Portugueses - Séculos XVI-XVII
CD 15: Joào Lourenço Rebelo (1610-1661) - Lamentations for Maundy Thursday - Vesper Psalms

Como cabía esperar, ha habido pocas sorpresas y el "marketing" se ha impuesto. Estos son discos cuyas ventas, en su momento, fueron potentes, pues las novedades del repertorio elegido y la fama del conjunto -en aquellos años dorados- hicieron que el conjunto estuviera muy en boga y siempre en la mente de los aficionados a dichos repertorios.
Entre los elegidos nos encontramos con varias joyas y bastante variedad: esos discos de música portuguesa -que tanta fama obtuvieron y que muchos consideran, hoy en día, como referenciales en dichos repertorios-, los magníficos discos dedicados a Agricola, Brumel, Gombert, esas magníficas "Lagrime" de Lassus, las ensaladas de Flecha -aunque con una estética algo rancia, para los oídos de hoy-, el "Utopia" -dedicado a magnas obras a 40, 36, 24... voces-, su referencial versión del Códice de las Huelgas y otros muchos que rescataron repertorios perdidos y que suponen un auténtico regalo para los fanáticos de estas épocas y de este sensacional conjunto.
Se echan de menos, no obstante, algunos grandes registros, como aquel dedicado a misas sobre L'homme armé, su versión de La Pellegrina o aquel dedicado a Matheus de Perusio.

En cualquier caso, un magnífico cofre, que será un espléndido regalo, tanto para uno mismo, como para alguien al que tengamos en alta estima.

Cuando prima el espectáculo...

2009-05-21T12:20:00.010+02:00

Fecha: 6 de febrero de 2009.

Lugar: Auditorio Ciudad de León.

Contexto: Segundo concierto del Ciclo de Artes Escénicas y Músicas Históricas.

Programa: Encuentros de Músicas de Fuego y Ayre. La Ruta del Nuevo Mundo (1550-1750): Mestizaje y Diálogo Musical en la Antigua Iberia y en el Nuevo Mundo (obras Pedro Guerrero, Mateo Flecha, Santiago de Murzia, Bartomeu Cárceres, Luys Milán, Juan Pérez Bocanegra, Gaspar Sanz, Frei Felipe Madre de Deus, Juan Cabanilles, Francisco Correa de Rauxo, Juan Blas de Castro, Juan Arañés, Gaspar Fernandes, Antonio Valente, Juan García de Zéspedes y diversos anónimos).

Intérpretes: La Capella Reial de Catalunya & Hespérion XXI, con la participación del Tembembe Ensamble Continuo - Jordi Savall, dirección.

Nos visitaba en este segundo concierto del Ciclo, dedicado a impulsar la creación del CAEMHis, una de las vacas sagradas en esto de la música antigua, tanto a nivel nacional como mundial, el maestro Jordi Savall.

Por supuesto, cuando se trata de nombres tan archiconocidos -hasta por el más iletrado de los espectadores- el Auditorio estaba lleno a rebosar, con caras de feliz expectación -en la mayoría- y de temible curiosidad -en aquellos conocedores del hacer del maestro de Igualada y que nos temíamos lo que se nos venía encima-. Y lamento tener que decir aquí que mis expectativas se cumplieron, pues el espectáculo que pude presenciar fue bastante mediocre, en el que se le dio mayor importancia todo lo que podría ofrecer espectáculo y se dejó de lado a la música propia.

Entremos en detalle, pues.

Primeramente hay que señalar el poco decoro y delicadeza por parte del maestro Savall, teniendo en cuenta que el 85% de las piezas del programa ya habían sido interpretadas en un concierto programado un año antes que el que nos ocupa -cosa poco extraña, por otra parte, teniendo en cuenta que el señor Savall lleva repitiendo las mismas obras durante buena parte de su carrera-.

Se presentaba, pues, una oportunidad de ver más de lo mismo, pero encima con el que peligro de que la interpretación no superase la escucha anterior -como así fue-. Cuando parecía que la cosa no podía ir a peor, nos encontramos con el Savall había invitado a un conjunto de músicos mejicanos, con el fin de entremezclar culturas -su ya celebérrima Alianza de Civilizaciones- por medio de músicas de aquí y de allá. Es indudable el talento de cada uno de los músicos allí presentes -unos más que otros, obviamente- y el sensacional sentido del ritmo de estos mejicanos, pero uno se siente un poco engañado -a la par que atónito- cuando ve que a alguien que lleva tantos años abogando por la interpretación "correcta" de las músicas pretéritas le da por mezclar obras de Murzia, Sanz o Valente con anónimos jarochos y obras del acervo folclórico sudamericano, amén de utilizar instrumentos tales como un violín moderno, huapangueras, mosquitos, zapateados, guitarras de son y otros tantos en la interpretación de piezas del XVI y XVII, mezcándolos con guitarras barrocas, vihuelas de mano, arpas triples, viole da gamba y cornetos. Un despropósito, vaya...

Y una interpretación buena, pero sin más -lo que es decir muy poco, si hablamos de quien hablamos-, con un apartado vocal bueno, pero sin alardes, sobre todo en las voces masculinas y un aparato instrumental que fue lo mejor de la velada -me refiero a Hespèrion XXI no a los mejicanos-, pues como siempre, Savall se sabe rodear de gente realmente buena.

Estupefacto presenciaba como la platea y el anfiteatro se rendían en aplausos en cada intervención que sobre el escenario tenía lugar.

Pero la cosa todavía pudo superarse más y es que comenzaron los bailes y aunque siempre hubo una bailarina danzando en ciertas obras -un trabajo el suyo minimalista, bien hecho y con gusto-, tuvieron a bien estroprear dicho trabajo con la intervención de algunos de los músicos del conjunto, en momentos claramente permutables por, qué sé yo... ¿nada? -indescriptible el momento de La Iguana-.

Ante tal dantesco espectáculo uno tiene tiempo para reflexionar sobre lo que está presenciando. ¿Mi sensación?, importa más el espectáculo, el montar el show, el aderezar la música -no vaya a ser que el público se aburra-, en definitiva, no hay sitio en conciertos de este tipo para la música pura, aquella que no necesita de aditivos para llegar al espectador. ¿Merece la pena tal "mutilamiento" con tal de llenar una sala de conciertos? A tenor de de lo expresado por el público, sí, sí lo merece. En opinión de un servidor, jamás hay que anteponer nada a la música, a la creación "sagrada" de nuestros genios del pasado -aunque no sean estas obras de una hondura superlativa-.

Se me plantea otra duda acerca de los intérpretes que llevan varios años trabajando a su lado: ¿realmente disfrutan haciendo una y otra vez las mismas piezas? ¿Savall ha dejado de atraer por su trabajo y ahora es la fama lo que lleva a los músicos a trabajar junto a él? Tal y como está el asunto, es evidente que estos intérpretes tienen que ganarse la vida, pero resulta curioso como parece que hacen parada en Savall para llenar el bolsillo y luego acuden a otros grupos para satisfacer sus ansias musicales y artísticas.

En fin, uno está ya acostumbrado a estas savalliadas. Es cierto que se le está criticando duramente -yo el primero-, pero los motivos son más que obvios y no vale el criticar por criticar. Yo critico al Savall monetarista, a ese que lleva años explotando -tanto en concierto como en disco- las mismas obras, a ese que no tiene escrúpulo ninguno en "mendigar" todo tipo de subvenciones, aquel que no siempre cumple con lo que dice, ese que justifica lo injustificable, aquel que intenta colar su instrumento en cualquier obra, aunque no tenga motivo alguno, es decir, ese Savall que ha ido perdiendo esa ilusión por lo puro, lo verdadero y que se ha ido dejando llevar al camino fácil, cuando siempre tuvo que luchar para estar donde está. No obstante, defiendo al Savall que abrió puertas a golpe de tesón, aquel que se planteó una meta y la logró, ese que lucho por recuperar un instrumento de capital importancia en la historia universal, un Savall que no dudó en redescubrir repertorios perdidos, ese que tañía la viola como nadie -cuando estudiaba, claro-, ese que quisó abrir caminos cerrados, en definitiva, ese Savall que emocionaba por su maestría, su coherencia y autoexigencia.

Lamentablemente lo estamos perdiendo, pero esperemos que haya algo en ese camino que le haga replanterse la ruta.

Hoy no añadiré fragmentos musicales, sino que dejo aquí un enlace a un vídeo del Instituto Cervantes en el que Savall interpreta alguna de las piezas aparecidas en el programa comentado arriba -como no- y también incluye una entrevista previa a un concierto en Festival de Música Antigua de Utrecht de 2004.

"El Huelgas" vuelve a casa

2009-05-15T11:57:00.017+02:00

Muchos éramos los que nos preguntábamos que pasaba con el Huelgas-Ensemble -conjunto belga, formado en 1971 por el gran Paul Van Nevel-, puesto que su actividad discográfica -no así concertística, que sigue al alza- había sufrido un parón importante -raro en un conjunto que acostumbra a grabar varios proyectos por año- desde su última grabación -aquella maravillosa La Quinta essentia-. Pues bien, cuando -justamente mañana, día 16 de mayo, hace un año exacto- tuve la oportunidad de presenciar un concierto de dicho conjunto, precisamente con ese programa de La Quinta essentia, junto al ensayo general del mismo y pude hablar con la mano derecha de Van Nevel, al cual, entre varias cuestiones, le pregunté por el próximo proyecto del grupo. Él me lo comentó y ahí quedó la cosa.

Pero hace unos días me han llegado unas noticias -bastante fiables, creo- de que aquel proyecto que me habían comentado sí se ha grabado y se va a editar, pero la sorpresa del asunto radica en que no se editará en Harmonia Mundi -su casa discográfica desde unos 12 años- sino que volverán a la que fue su casa durante la mayor parte de su carrera: Sony Classical. El proyecto exacto llevará el título de La poésie chromatique de Michelangelo Rossi y saldrá al mercado en septiembre de este año -programa que fue presentado el 10 de julio de 2008, dentro del marco del Festival de Saintes-. A este respecto, recuerdo haber comentado, en aquella charla, lo tardío del repertorio para este conjunto, acostumbrado a moverse en torno a los siglos XIV, XV y XVI.

No obstante, esta no es la única buena noticia que nos traen los amigos de Sony, sino que se anuncia una edición especial recopilatoria, en 15 CD's, de algunas de las grabaciones más representativas que los belgas grabaran para Sony, en su mítica serie Vivarte y que estará disponible en agosto, como celebración del regreso del conjunto al sello.
Teniendo en cuenta la vastísima producción que para este sello grabó "el Huelgas" -dentro de la amplísima discografía del grupo- y que la mayoría de ellos hoy se encuentran descatalogados, la noticia supone un auténtico milagro para los fanáticos seguidores del conjunto, entre los que me encuentro.
Desde luego, ya tienen un comprador seguro.

Jean Richafort (c.1480-c.1547). Introitus, Requiem a 6 [in memoriam Josquin]
Álbum: Requiem (in memoriam Josquin Desprez)
Huelgas-Ensemble - Paul Van Nevel, dirección
Harmonia Mundi 2002

Alexander Agricola (c.1446-1506). Kyrie, Missa Je ne demande
Álbum: A Secret Labyrinth
Huelgas-Ensemble - Paul Van Nevel, dirección
Sony Classical (Vivarte) 1999

El maravilloso mundo de los premios discográficos

2009-05-04T15:28:00.014+02:00

Cuando uno se encuentra ante la crítica de algún disco -por razones obvias y ajenas al lector- siempre le asaltan las dudas. Preguntas del tipo: ¿esta crítica será fiable? ¿El crítico será amigo de tal o cuál conjunto? ¿La revista que publica la crítica es afín a determinados sellos? ¿Habrán recibido algo ha cambio para publicar tan satisfactoria crítica? ¿Cómo es posible que haya leído una crítica totalmente opuesta a esta en otra publicación especializada?
No se hace necesario destacar que nos encontramos ante un asunto espinoso y complejo, siempre díficil de debatir -más aún si intentamos llegar a un acuerdo-, puesto que la crítica discográfica siempre tiene un carácter totalmente subjetivo, cuestión que la hace fácilmente "maleable".

¿Cómo saber si fiarse de una u otra publicación especializada cuándo nos encontramos con tantas y tan prestigiosas? La respuesta resulta obvia: paciencia y empirismo, es decir, sopesar cual resulta más acertada en la mayoría de los casos en relación a los gustos de cada cual. ¿La pega?, termina por resultar algo cansado y muy costoso, sobre todo esto último.

Son cientos los premios, baremos, guías... que "viven" de la crítica discográfica y a los que se da una primordial importancia en los propios sellos -no resulta raro encontrarse con esos logotipos de premios jalonando los plásticos exteriores de los compactos-. De todos conocidas son las publicaciones y los premios que ofrecen los Midem, Gramophone, Diapason, BBC Music Magazine... Un caso archiconocido en nuestro país es el de Goldberg Magazine, -cuya web esta desactivada ante la anunciada suspensión temporal de la edición, por motivos económicos- de la cual se han comentado y filtrado algunos asuntos acerca de su sección de crítica y la manera en que estos concedían sus "cinco estrellas".

Pero hoy no traigo aquí ninguna de esas publicaciones ni galardones, sino que me referiré a la publicación holandesa, especializada en música antigua, Prelude Klassieke Muziek, cuyos galardones Prelude Classical Music Awards se llevan entregando desde 2001. Según sus editores, estos premios surgieron como una isla en medio del inmenso océano al que habían sumido a Holanda los grandes sellos y las distribuidoras asociadas en la NVPI y que ya repartían sus propios galardones, los Edison Classical Music Awards, como se explica en esta breve nota. Hay que tener en cuenta, pues, que estos premios no corresponden a todo el mercado discográfico, pues eliminan de un tirón las grandes multinacionales, con lo que el resto de sellos tienen muchas más oportunidades, eliminados ya los gigantes. De todas manera, también es necesario indicar que, aunque no trabaje con esas grandes empresas, Prelude también es distribuidora, y sólo premia a los discos de los ellos que aparecen en sus página, por lo que podemos colegir que estos están jugando a lo mismo que las grandes, pero encima en una división "menor" -el fantasma del interés propio vuelve a parecer-.
Resulta muy positivo que alguien de cabida a aquellos sellos que, por pequeños, no tienen un espacio con el resto de las grandes empresas del disco, aunque habría que preguntarse si realmente podemos considerar a sellos como Alpha, Mirare, Zig-Zag Territoires, Ricercar, Bis o Glossa... sellos pequeños -si los comparamos con las grandes sí, ¿pero no estamos, en cierta manera, pecando de complacientes con estos sellos?-. Del mismo modo cabe preguntarse: ¿no resultan estos galardones algo desvirtuados si estamos eliminando de la competeción a las multinacionales, o lo que es lo mismo, a las empresas que albergan a muchos de los mejores conjuntos? Supongo que para alguien que consigue un premio de estas características -más aún si está empezando su carrera- supone un gran orgullo, pero también habrá de ser consciente que no está compitiendo contra los mejores de la "primera división".

Dicho lo cual, paso a dejar aquí la lista de galardonados y mi pequeño análisis de estos Prelude Classical Music Awards 2009.

Lo cierto es que son bastantes sus categorías y muy bien definidas -siempre es de agradecer- y este compendio que han organizado, con un extracto de cada uno de los discos, también resulta muy interesante.
Creo que una de las primeras reacciones ante estos premios es la de felicitar -y felicitarse, por el mero hecho de ser español- a los conjuntos nacionales, pues España se convierte en el país con mayor número de premiados en esta edición. Tanto los sellos -Glossa, Enchiriadis, Alqhai & Alqhai y Arsis (que en el 2008 consiguió el premio a sello del año)- como los intérpretes -La Colombina, Forma Antiqva, María Espada, Carlos Mena, Nuria Rial y Accademia del Piacere- han obtenido galardón, en menor o mayor medida.
Resulta muy extraño, aunque ya hayamos explicado las causas, no encontrase con alguno de los discos de Stile Antico o The Tallis Scholars en la parte de Renacimiento y otros muchos otros en el resto de categorías, pero sobre ello habrá que analizar los resultados.
El conjunto Graindelavoix supone uno de las grandes innovaciones en la música antigua de los últimos tres años, con esa sonoridad tan "particular" y personal. En este disco están más "comedidos", pero su calidad y la interpretación de un repertorio muy poco frecuentado, hacen de este disco algo excelente.
El conjunto alemán Stimmwerck supone una auténtico revelación en lo personal, pues a tenor de lo escuchado, estamos ante un conjunto de grandes cualidades -parecen trabajar en la línea de conjuntos como Diabolus in Musica-.
El disco de la colombina, para el sello K617 supone un auténtico placer para los oídos, amén de ofrecernos un Victoria "nuevo", aunque como ya he señalado, hubo mejores discos de polifonía renacentista que este el pasado año.
El disco de la Accademia del Piacere ha supuesto una auténtica revolución en el panorama español, tanto por la propuesta como por lo bueno de la interpretación -superior en lo instrumental a lo vocal- y se convierte en un disco muy interesante y magnífico como regalo.
El hecho de que se premien nuevos proyectos interesantes siempre resulta muy positivo, como en el caso del último disco del conjunto japonés Anthonello, dedicado de manera íntegra a la figura del flautista Jacob Van Eyck.
Pierlot y sus huestes no se van con las manos vacías y se llevan el premio en barroco sacro, merced a su último disco, su visión OVPP (one voice per part) de las cantatas bachianas BWV 181, 132 y 4, en el que a pesar de optar por esas teorías minimalistas, consiguen un magnífico resultado -en buena medida debido al magnífico plantel vocal-.
Los jovencísimos hermanos asturianos de Forma Antiqva y la deslumbrante María Espada llevan triunfando varios meses con su propuesta de cantatas scarlatianas -un disco admirable y muy sorprendente- y son, junto al disco de Alqhai y los suyos, los grandes protagonistas del panorama musical "antiguo" en nuestro país.
Nuria Rial, tan maravillosa como de costumbre, se rodea muy bien de este conjunto austriaco para traernos un precioso disco con música sacra de varios maestros italianos y centroeuropeos. Un disco raro y con poco tirón en España, pero de gran calidad y bellísima música.
Vivaldi siempre vuelve y está vez viene de la mano de Spinosi y su Ensemble Matheus, así como un cast solístico absolutamente envidiable, para firmar una versión de La Fida Ninfa -probablemente su mejor ópera- de absoluta referencia.
He oído cosas muy interesante de ese Purcell greco-ruso, por lo que el resultado debe ser evidentemente bueno -el precioso lamento, sin ser Kermes santo de mi devoción, resulta bastante emocionante-.
Me complace observar que sellos de la calidad sonora y estética de Ramée también son premiados.
La magnífica versión del opus 6 handeliano, por parte de los polacos, no podía quedarse sin premio, más teniendo en cuenta que la versión de Antonini corresponde ya al 2009 -de lo contrario, esta hubiera sido la versión elegida, aunque L'Oiseau Lyre corresponde a Decca...- y me satisface observar que un conjunto como el que dirige Beznosiuk también ha sido galardonado, pues se trata de una orquesta que borda ese repetorio tardobarroco -como ya nos han demostrado con sus magníficos Avison-.

El prestigioso "artista del año" le ha sido concedido al "pulsista" Eduardo Egüez, merced a sus trabajos dedicados a Weiss y Bach.
"Conjunto del año" , así ha sido nombrado el grupo Gli Incogniti, que dirige la francesa Amandine Beyer y cuyo disco dedicado a un Vivaldi archiconocido a la par que inédito les ha llevado a conseguirlo.
Del mismo modo, el "sello del año" ha sido concedido, de manera compartida, a los sellos británicos Obsidian -magníficos los trabajos de David Skinner con Alamire- e Hyphen Press Music -totalmente desconocido para mí-.
El disco del año se lo ha llevado el cellista barroco Bruno Cocset, que en el disco tañe un modelo de viola alla bastarda, el cual ha sido copiado del instrumento aparecido en la imágen de portada. Un disco que presenta un Bach de siempre, pero mirado con otros ojos y la desbordante musicalidad que el francés derrocha.
En cuanto al disco debut del año, me alegra observar que han sido capaces de valorar el magnífico trabajo que Scherzi Musicali hacen con esta obra de Caccini.
Para terminar, el premio más obvio, evidente y esperado de todos, correspondiente al DVD del año, pues teniendo en cuenta los desastrosos montajes a los que nos encontramos sometidos por la dictadura del director de escena, encontrarse con productos tan bien hechos (como esta producción lullista) resulta -aunque insuficiente- muy gratificante.

En definitiva, otra lista más, de la que uno puede fiarse o no y de la que nunca conoceremos los entresijos, pero que al menos premia a intérpretes jóvenes que dedican su vida a este apasionado aunque difícil mundo.

Barroco y disfrute por doquier. Historia de un fin de semana junto a Bach (Prima Pars)

2009-04-21T17:15:00.016+02:00

Fecha: Viernes, 6 de marzo de 2009.

Lugar: Palacio Euskalduna (Bilbao).

Contexto: Segunda sesión del Festival Musika-Música 2009.

Programas e intérpretes: Concierto nº. 16: Eduardo Egüez (suites para laúd de Johann Sebastian Bach); concierto nº. 14: Ricercar Consort y solistas vocales - Philippe Pierlot (obras de Johann Christoph y Johann Sebastian Bach); concierto nº. 15: Pierre Hantaï (obras para clave de Johann Sebastian Bach).

El festival -más bien alocado maratón- Musika-Música, que se celebra anualmente en la capital vizcaína, es un auténtico espectáculo, se mire por donde se mire.

Este año el festival estaba dedicado por completo al genio de Eisenach y aglutinó una serie de conciertos, artistas, espectadores, venta de discos... (ya tendremos tiempo, en una entrada posterior, de hablar sobre estos y otros asuntos) bajo el llamativo nombre -y cartel- de Bach is Back!

Al igual que sucediera en 2006 -cuando el maratón estuvo destinado al barroco europeo- un servidor no quiso faltar a la cita y se presentó allí, para presenciar la nada desdeñable cifra de 14 conciertos, distribuidos entre el viernes por la tarde y el sábado y domingo completos.

En sucesivas entradas iré dando cuenta del resto de días, pero en el que hoy nos ocupa, le haré de los tres conciertos correspondientes al viernes por la tarde.

El primer concierto que presenciamos fue el que ofreció -en la rebautizada sala Weimar, para efectos prácticos- en laudista argentino Eduardo Egüez. Este nos ofreció un programa integrado por sendas suites para violoncello de Johann Sebastian Bach (1685-1750), en un arreglo para laúd barroco -algo bastante común entre los tañedores de cuerda pulsada, pues la calidad y belleza de estas suites las hacen especialmente apetecibles, además de contar con una buena disposición para la adaptación en este tipo de instrumentos-, en concreto, las suites BWV 1007 y 1009, en un arreglo efectuado por el mismo Egüez.

Las piezas son celebérrimas y poco o nada descubriremos a estas alturas de ellas, pero si es reseñable el magnífico arreglo de Egüez, totalmente fiel a la partitura original y demostrando la universalidad de Bach. Al observar el programa, uno se plantea si: habiendo, como hay, tan buena literatura específica de Bach para interpretarse con el laúd, resulta necesario realizar una adaptación de piezas para cello; pero al comenzar a escuchar lo que este hizo con su laúd, todas las dudas se disiparon. La total limpieza de líneas, el precioso sonido, el contrapunto espectacular... todo eso estaba allí, pero además estaba interpretado con la mayor de las precisiones, el más delicado de los gustos y la más evidente de las ilusiones. Egüez emocionó por su honestidad -el hecho de escuchar música pura, realizada por un sólo músico, ante un público espectante, es algo que nunca ha de perderse-, su ternura, su brillantez, su técnica, su disfrute... -todo ello a pesar de encontrarse enfermo y tomarse bastante tiempo para toser, masajearse su dolorido cuello...- Un espectáculo sensacional, puro.

Este concierto comenzó a las 18:30, pues bien, al terminar dicho concierto no había tiempo para entretenerse, pues a las 19:30 estaba programada el siguiente de la tarde.

En esta ocasión nos dirigimos a la sala Köthen, donde nos esperaba un concierto protagonizado por Katharine Fugue (soprano), Carlos Mena (alto), Julian Prégardien (tenor), Stephan MacLeod (bajo) y el Ricercar Consort, dirigidos por Philippe Pierlot.
El programa, bajo el epígrafe "Bach De Profundis", estuvo compuesto por dos cantatas de Bach, a saber: Aus der Tiefen rufe ich, Herr, zu dir BWV 131 y Christ lag in Todesbanden BWV 4, dos de las más celebérrimas cantatas del genio. Pero como aperitivo -si es que a algo tan absolutamente genial se le puede llamar tal- se ofreció el Lamento "Wie bist du denn, o Gott" de Johann Christoph Bach (1642-1703), una obra maravillosa firmada por un compositor totalmente fascinante, lamentablemente ensombrecido por la alargadísima sombra del genio familiar. Stephan MacLeod -una de las mejores voces que pasaron ese fin de semana por allí- nos ofreció una versión absolutamente magistral y totalmente conmovedora de este lamento, secundado por el preciosista violín barroco de François Fernandez, las viole da gamba y el continuo del Ricercar Consort -hay que señalar que han dedicado una reciente grabación a piezas de la Alemania del XVII, con MacLeod de protagonista, de donde he extraído la preciosa versión de lamento que porporciono más abajo-.

Tras esta auténtica delicida, vino el plato fuerte -aunque estaba tan fascinado con lo que acababa de disfrutar, que no creía que nada pudiese superarlo-: las dos cantatas de Bach. Auténticas obras de arte, las sucesión de coros, arias, duetos, recitativos y corales era un no parar, una clase magistral de como crear, de como abordar la música en todas sus facetas de manera siempre excelsa. La versión del Ricercar, atendiendo a las teorías OVVP, estuvo muy equilibrada, nítida en las líneas y precisa en los contrapuntos. A pesar de no ser un servidor creyente y defensor de estas teorías, esta interpretación me sorprendió bastante, por su favorable resultado. Los solistas vocales rindieron a buen nivel, aunque hubo de todo. Fugue estuvo correcta, pero sin alardes y fue quien más pasó desapercibida. Mena, que "jugaba en casa", estuvo tan sólido como siempre, técnicamente impecable, potente en su sonido y de bello tiembre. El joven tenor -tan sólo 24 años-, Julien Prégardien -desconozco si es hijo del gran tenor Christoph Prégardien, aunque varios de sus datos vitales podrían sugerirlo- estuvo bastante bien: con un timbre muy bonito, bien colocado, algo escaso en su volumen, pero con exquisito gusto. El bajo suizo, Stephan MacLeod -quien con su sola intervención en el lamento podría haber cubierto su cupo por aquel día- estuvo, de nuevo, fascinante. Bien en los graves, pero muy bien la zona media-aguda, con ese timbre tan conmovedor y esa línea de canto tan elegante. Sin duda, junto a Mena, lo más destacable de la velada. El aparato instrumental, sostenido por los precisos Fernadez y Santos a los violines barrocos, cumplió a la perfección con su cometido, a excepción de algún descalabro del oboista barroco, que luego se repuso. Firmes y coloristas las partes altas y seguras y solventes las bajas, con un espléndido y variado bajo continuo.

Para terminar la primera jornada, acudimos al tercero de los conciertos de la tarde -a celebrar en la misma sala Köthen y con hora de comienzo a las 21 horas- y protagonizado por el excelente, aunque en exceso sobrado, Pierre Hantaï. Se nos ofrecieron los Pequeños preludios para Wilhelm Friedemann Bach BWV 924-932 y las Suite inglesa nº. 2, en la menor BWV 807. Todo en Hantaï es ampuloso, recargado, "divino"... Para empezar, su concierto se retrasó más de media hora -ante las continuas e iracundas quejas de los espectadores. Pero eso no es todo, sino que el francés tiene la costumbre de hacer esperar al público cuando todo está listo, es decir, desde que las luces se apagan, se ilumina el clave -modelo absolutamente precioso, por cierto- y todo está en silencio, pueden pasar cinco minutos hasta que tiene el detalle de "honrarnos con su presencia". Todo esto se termina pasando por alto cuando uno comienza a escucharle, aunque no verle, puesto que su comportamiento sigue siendo totalmente rebuscado. Estuvo muy, muy bien en la suite, aunque cometió algunos errores en los pequeños preludios -dobles notas, notas falsas- imperdonables para alguien de su categoría. No obstante, como digo, la interpretación de la suite rozó lo glorioso, con una digitación espectacular, muy seguro, mostrando un Bach muy elegante y detallista.

En definitiva, una jornada calificable de muy buena, con momentos absolutamente memorables (¡ese lamento!, varios momentos en Egüez y Hantaï) y que supuso un buen presagio para lo que habría de venir.

P.S. Si alguien desea mayor información acerca de los programas, platillas intrumentales... sólo ha de solicitarlo.

Johann Christoph Bach (1642-1703). Lamento "Wie bist du denn, o Gott".
Álbum: De Profundis.
Stephan MacLeod & Ricercar Consort - Philippe Pierlot.
Mirare 2008.

Johann Sebastian Bach (1685-1750). Sarabande, suite BWV 1007.
Álbum: Suites for Theorbo.
Pascal Monteilhet.
Virgin Classics (Virgin Veritas x2) 200-2005

Decepcionante debut, futuro incierto

2009-04-03T16:08:00.040+02:00

Fecha: 4 de febrero de 2009
Lugar: Auditorio Ciudad de León
Contexto: Primer concierto del Ciclo de Artes Escénicas y Músicas Históricas
Programa: "La música estremada y del mundanal ruido". Polifonía sacra y profana española del s. XVI (obras de Cristóbal de Morales, Tomás Luis de Victoria, Francisco Guerrero, Juan Vázquez, Juan del Encina y Mateo Flecha "el Viejo")
Intérpretes: Coro Antiphonarium - Jose Luis Basso, dirección

Con tal rimbombante y rebuscado título se presentó -en una sede alternativa a la oficial, que será el Teatro Emperador de la capital leonesa - el primer Ciclo de Artes Escénicas y Músicas Históricas, creado por el INAEM para estrenar la reciente creación -aunque tardará en ver la luz de manera "física"- del Centro Nacional de las Artes Escénicas y Músicas Históricas (CAEMHis), esa especie de centro dedicado al estudio, recuperación e interpretación de toda música española, iberoamericana, europea, y relacionada con España en general anterior al siglo XVIII.
Basta decir que lo que se sabe acerca de este proyecto es más bien poco, aparte de que tiene prevista su inauguración para el 2011 y que próximamente saldrán a concurso público las plazas de los encargados de las diversas facetas del proyecto, como la del director del centro así como las de los directores del coro y la orquesta barroca que se crearán como formaciones residentes.
Como hasta el momento no se produjo tal concurso, este recién creado Coro Antiphonarium -que recibe el nombre de un códice, depositado en la Catedral de León, que contiene un número muy elevado de piezas musicales dedicadas al rito mozárabe- no es otra cosa que una especie de apaño que el encargado en funciones de este ciclo, el director de escena Gustavo Tambascio (aunque esto no queda tampoco muy claro), ha ido dando forma para cumplir con este primer compromiso del estreno mundial de esta nueva agrupación. Y uno se pregunta, ¿de veras merece la pena presentar a nivel mundial una chapuza semejante?
El coro está formado por algunas de las voces supuestamente más cualificadas en este tipo de repertorio en cuanto al ámbito español se refiere. A muchos le sonarán varios de los nombres que aparecen en plantilla por su participación en conjuntos españoles dedicados a la interpretación histórica -aunque de dudosa excelencia- y hay también presencia leonesa -por aquello de no dejar de lado los dichosos regionalismos-. Pues bien, con tal panorama y las prisas con las que me consta que se ha desarrollado el proyecto, el resultado no podía ser diferente al que fue, más aún si tenemos en cuenta que el director invitado para tal estreno resultó ser el "reputadísimo experto" en polifonía renacentista Jose Luis Basso, del que apenas encontraremos referencias en cuanto a la interpretación histórica se refiere.

Para empezar, es necesario señalar que el programa fue una especie de popurrí o grandes éxitos -si es que esto puede ser posible- del repertorio renacentista español. Obras siempre de gran calidad pero de escaso interés por lo trillado de las mismas. Y uno se vuelve a preguntar, dada la vocación de este centro, si no hubiese sido más deseable la interpretación de obras de mayor calado y relevancia musicológica. La primera parte estuvo compuesta por música sacra y se abrió con música de Cristóbal de Morales (1500-1553), del que se interpretó su Missa Aspice Domine a 4 -en su edición de 1544-. Se trata de una misa parodia, inspirada en el motete homónimo del maestro Nicolas Gombert (c.1495-c.1560), misa compuesta por todos los movimientos del ordinario y de la que no se puede decir que sea una obra especialmente inspirada, si bien la pobre interpretación, de la que luego hablaremos, le hizo un flaco favor. Sin embargo, cabe destacar el precioso Agnus Dei a 5 (CAATB). La primera parte terminó mediante tres obras de Tomás Luis de Victoria (1548-1611): el celebérrimo motete -de temática navideña- O magnum mysterium, el también archiconocido responsorio O vos omnes a 4 (CCAT) y el (este sí algo más "inédito") motete Ego sum panis vivus. A pesar de que estas piezas están treméndamente manidas, siguen siendo obras con un gran poder de atracción y de fácil disfrute.
La segunda parte estuvo protagonizada por grandes clásicos de los que interpreta cualquiera de los coros que pueblan nuestra geografía: una mezcolanza de villanescas de Francisco Guerrero (1528-1599) y villancicos de Juan Vásques (c.1500-c.1560) y Juan del Encina (1468-1529/30), además de la ensalada "El Fuego" de Mateo Flecha "el Viejo". Obras bellas, de carácter, incisivas, costumbristas y hasta con un punto cómico, bien provistas estructuralmente, pero que no terminan de calar como lo hicieran las obras de la primer parte.

La interpretación de esta caricatura coral que se vio apremiada por las exigencias temporales fue como cabía esperar: sosa, lineal, carente de estilo, exagerada y al igual que sucedió con las obras de la segunda parte, un poco cómica... Contando con la poco o nada histórica cifra de cinco voces por parte (y no porque no se puedan hacer cosas muy bien con un número "elevado" de voces, como ya dejamos claro en la reseña del concierto de Tenebrae, sino porque sencillmente no se hicieron ni mínimamente bien) -mucho más si tenemos en cuenta lo "adecuado" para las interpretaciones de los villancicos, canciones, villanescas... de la España del XVI- Pero es que, además, se encargaron de darle a todo el mismo sabor extraño, todo sonaba prácticamente igual, desde la misa de Morales a la ensalada de Flecha, aunque se encargaron bien de darle un toque aberrántemente irrisorio a la piezas profanas -error muy generalizado, por desgracia- dotándolas de ese carácter descuidado y humorístico, como carentes de profundidad compositiva. A todo esto hay que sumar el desmedido gusto proporcionado por la percusión, a pesar de los vanos intentos, desgraciamente, de la percusionista Izaskun Cruz -esta, junto al organista David Oyarzábal, que realizó una labores más que decentes en el continuo, se salvaron de la quema- a la que se encargaron de martirizar, colocándole de compañeros de viaje a distintos integrantes del coro, que agitaban y agitaban, sin cesar, los instrumentos que se les habían asignado, destrozando buena parte de las obras. Una afinación bastante reprochable en muchos momentos -el hecho de estar medio tono bajos en relación al órgano positivo dice muy poco a su favor- y una calidad vocal no demasiado acusada, hicieron de la interpretación algo meramente mediocre -en momentos hasta mala- decepcionante y para el olvido.

La dirección de Basso, que como ya he dicho, no tiene prácticamente ninguna experiencia en este campo, a excepción de algo relacionado con un coro en Florencia, me parece, que no me ha quedado muy claro y que él mismo no debe considerar importante, a tenor de la ausencia de este dato en el currículum aparecido en el programa de mano, fue absolutamente incomprensible -yo, que en ciertos momentos tuve muy buena visión de sus gestos, no entendía absolutamente nada de lo que marcaba y no le encontraba relación alguna con la música-; lo cual me lleva a pensar dos cosas: 1. Los cantantes tenían las mismas sensaciones que yo; 2. No tenían ningún interés en seguirle, ante lo desastroso de su dirección. Creo que el resultado final fue una conjunción de ambos puntos.

En definitiva, uno se plantea si es necesario crear algo de tan ínfima calidad, teniendo en cuenta como está el panorama en relación a este campo -con conjuntos como The Tallis Scholars, Huelgas-Ensemble, los ya mentados Tenebrae, Stile Antico, por nombrar sólo unos pocos de los cientos existentes- incluso en nuestro país -con conjuntos de calidad como La Colombina, La Capella Reial de Catalunya, cuando no hacen cosas raras, La Grande Chapelle o La Trulla de Bozes, incluso los medio españoles La Hispanoflamenca-. Si vamos a hacer algo, hagámoslo bien, porque luego suceden cosas inexplicables y a uno le entra el desasosiego cuando le dicen que en su ciudad van a hacer algo tan necesario e ilusionante como es este centro; pero es que ya estamos escarmentados...

Cristóbal de Morales (1500-1553). Circumdederunt me gemitum mortis. Officium Defunctorum
Álbum: Officum Defunctorum & Missa pro defunctis
La Capella Reial de Catalunya & Hespèrion XX - Jordi Savall
Astrée 1992

Juan del Encina (1468-1529/30). Mi libertad en sosiego
Álbum: Cancionero de Palacio (Chansons de la Renaissance)
Ensemble Gilles Binchois - Dominque Vellard, dirección
Virgin Classics (Veritas x2) 1999-2005

Y la luz se filtró entre las tinieblas...

2009-04-01T20:09:00.036+02:00

Fecha: 28 de marzo de 2009.
Lugar: Iglesia de San Cipriano, Zamora.
Contexto: Sexto concierto del Festival Pórtico de Zamora 2009.
Programa: Obras para la pasión de Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Tallis, Alonso Lobo y Tomás Luis de Victoria.
Intérpretes: Tenebrae Choir - Nigel Short, dirección.

No se me ocurre mejor manera de empezar mi andadura en este nuevo, compartido e ilusionante proyecto, que intentando plasmar de la manera más sincera y directa lo que pudimos presenciar en la preciosa y románica Iglesia de San Cipriano, de la capital zamorana, el pasado sábado. Vamos con ello, pues…

La Semana Santa: ese tiempo de recogimiento que en ciertos lugares del mundo es utilizado como instrumento de culto por creyentes, falsos devotos, religiosos y fiesteros… y que en tiempos pretéritos se tuvo la buena costumbre de musicalizar los textos utilizados en las liturgias para tal fin, por algunos de los grandes maestros de occidente, dando lugar a aquello que hoy denominados lecciones de tinieblas, lamentaciones del profeta Jeremías, Offcium Tenebrarum…
Este es el caso de las obras que ahora nos ocupan: un programa que centró su atención en las musicalizaciones realizadas por algunos de los absolutos maestros del renacimiento europeo. La primera parte estuvo compuesta por el Stabat Mater (otro de los textos, compuesto este por Jacopone da Todi, utilizados para reflexionar en la época de pasión) de Giovanni Pierluigi da Palestrina (c.1525-1594). Siendo como es el maestro romano, paradigma del estilo polifónico más académico, riguroso y sobrio, no cabía esperar fuegos de artificio vocales, ni ornamentales, en la partitura del italiano, pero aún así, toda una obra maestra fue creada por esta mente prodigiosa y plasmada por su pluma. Compuesta a 8 voces, en doble coro a 4 (Cantus, Altus, Tenor, Bassus / Cantus, Altus, Tenor, Bassus), crea una atmósfera absolutamente policoral, asignando cada entrada entre ambos coros como si de ecos se tratara. Palestrina desarrolla aquí una magnífica técnica de fabordones y nos deja en la memoria unos sutiles compases ternarios con mesurados ritmos sincopados. La profundidad dramática de la obra se ve descargada, en algunos momentos, por secciones destinadas a un número de voces algo más reducido, creando una atmósfera trágica -como bien merece el texto- y tratada de una manera ora delicada, ora contundente. En aquel momento, uno comenzaba a vislumbrar que lo que estaba presenciando tenía visos de convertirse en algo excepcional. A la magnífica obra palestriniana le siguieron las dos lamentaciones conocidas que firmara, en su día (c.1560), el británico Thomas Tallis (c.1505-1585) -ambas para Jueves Santo-. Aunque en el programa de mano no se especificaba cual de las lamentaciones iba a ser interpretada, sí se señalaba la interpretación de una de ellas en el libreto general del festival, aunque tampoco se aclaraba cual de ellas, sin embargo, finalmente fueron interpretadas ambas lamentaciones (cuya denominación actual suele diferenciarse con un mero I y II). Sendas piezas forman parte del corpus más interpretado del inglés y resulta muy comprensible si tenemos en cuenta que Tallis despliega toda su maestría en dos auténticas maravillas polifónicas. En ellas encontramos auténticos prodigios en muchos aspectos: los cromatismos que utiliza, las increíbles disonancias empleadas -la que se haya en la primera de ellas, justo antes del verso final Jerusalem, convertere ad Dominum Deum tuum, es un auténtico despliegue de genio armónico-, modulaciones tremendamente expresivas, uso de la homofonía en los puntos que requieren una mejor comprensión y en los que el texto se vuelve especialmente importante, una serie de imitaciones entre las diversas voces definitivamente modélicas y un magistral uso de los melismas que emplea en la musicalización de las letras hebreas del alephato, que dan paso a cada uno de los diferentes versos. Este fue uno de los momentos más sobrecogedores de toda la velada, junto con el que vendría a continuación, que no fue otro que la interpretación de otras lamentaciones, esta vez creadas por el talento sevillano de Alonso Lobo (1555-1617). Mucho se ha hablado y con mucha razón, sobre el siglo de oro español y la capital importancia que el tridente Victoria-Morales-Guerrero tuvo para el desarrollo musical en nuestro país. Ello está muy bien y es más que evidente, pero ese siglo de oro no sólo lo construyeron esas tres mentes, sino que talentos como el de Alonso Lobo ayudaron, en mucho, a que esa capitalidad musical se refrendara y afortunadamente está empezando a ser reivindicado como merece. Estas lamentaciones son auténticas obras de arte de la creación humana. Se interpretó aquí una de sus lamentaciones, concretamente la escrita para Sábado Santo, en la que Lobo despliega toda su capacidad expresiva para ofrecernos una pieza -de extraordinario y amplio minutaje- en la que los larguísimos melismas sostenidos utilizados sobre el alephato son su elemento más reconocible y que nos sirven de reposo y contemplación para afrontar los versos de líneas arqueadas que flanquean la pieza. Junto con las piezas de Thomas Tallis, conformaron el momento más mágico y sobrecogedor de todo el espectáculo.

Parte correspondiente al cantus, perteneciente al motete O magnum mysterium, de Victoria.
Extraído del libro de Motecta de 1572 y obtenida en http://tomasluisdevictoria.org/

Tras el adecuado descanso, muy necesario para poder asimilar todo lo que allí se había ofrecido -tras una primera parte que tuvo la nada desdeñable duración de una hora y diez minutos-, se nos ofreció una segunda mitad compuesta, única y exclusivamente por responsorios del gran Tomás Luis de Victoria (1548-1611). Se ofrecieron seis de ellos, a saber: Amicus Meus, Iudas Mercator Pessimus, Unus ex discipulus meis, Eram quasi agnus, Una hora y Seniores populi, correspondientes a la que sea, probablemente, la colección de música sacra que corona el Olimpo del arte musical en el Renacimiento: el Officium Hebdomadae Sanctae -compuesto y publicado en Roma en 1585-. Para centrar más la información, es conveniente señalar que estos responsorios corresponden a la Feria quinta; In Coena Domini; Ad Matutinam; In Secondo Nocturno (los tres primeros) y Feria quinta; In Coena Domini; Ad Matutinam; In Tertio Nocturno (los tres restantes), todos ellos compuestos para cuatro voces. No es necesario explicar, a estas alturas de la partitura, que el maestro abulense es un verdadero genio en el arte de narrar escenas por medio de la notación y el nivel de dramatismo que consigue en estas obras, con el denominador común del sentimiento de abandono y traición por parte de los que rodean a Cristo, es absolutamente modélico, como así demuestran algunos de los ingenios utlizados por el maestro: recursos rítmicos -como la aceleración- para indicar prisa en los captores, acordes lentos y ritmos ralentizados para dar muestra de la sepultura del Señor, la variante que introduce en algunos versículos al utilizar sólo tres voces, e incluso solamente dos –en el caso del Amicus meus-, como medio para indicar si los participantes en la escena son muchos o pocos, jóvenes o viejos; recursos armónicos como el modo menor para escenificar la oscuridad o el no concluir un acorde en la tónica para representar la suspensión, cuando así lo indica el texto; hasta alterando el uso de las tesituras (del modelo básico del cantus, altus, tenor, bassus, al de dos cantus, altus, tenor), mostrando de esta manera, que era un absoluto dominador de eso que se ha llamado afectos musicales. Hay que señalar, también, el uso de los cantos de lecciones entre cada uno de los responsorios, interpretadas en canto llano, que fueron encargados a distintos miembros del conjunto vocal, tanto voces masculinas, como femeninas.
Como propina, ante los continuos y desatados aplausos y ovaciones que les brindó el público, tuvieron a bien obsequiarnos con una obra de Pau Casals, que no fue otra que su celebérrimo O vos omnes, que si bien resultó demasiado anacrónica, es una obra absolutamente bella, sobre todo en esa cadencia imperfecta con que finaliza y que cambia mucho la idea previa que uno puede tener de este músico catalán -al menos para mí fue una auténtica sopresa, cuando la descubrí hace cosa de tres años-.

Y si la velada se convirtió en algo absolutamente subyugante se debe, en gran medida, a la descomunal y cuasi perfecta interpretación que, de tan maravillosas obras, tuvieron a bien regalarnos el conjunto británico Tenebrae Choir -de sugerente y apropiado nombre para la ocasión, como puede comprobarse-, que dirige el ex cantante Nigel Short. Este coro de cámara inglés, creado hace unos pocos años, ha basado su actividad tanto en la música antigua, como en las creaciones contemporáneas, algunas de las cuales han sido creadas ex profeso para ellos. Suelen actuar creando una atmósfera singular, mediante la utilización de candelabros, ataviados con túnicas y acomodándose y jugando con la acústica de cada lugar, aprovechando el espacio para crear estereofonías, sonido ambiente, rodeando por completo al oyente, que disfruta de una sensación única. Para nuestro concierto sólo utilizaron parte de su performance habitual: la iluminación por medio de tenebrarios, preciosos, por cierto y que habían sido creados por la Escuela de Arte de Zamora, dejando a un lado la parte estereofónica -poco adecuada para ciertos repertorios- y utilizando una vestimenta negra "al uso". El resultado de la iluminación es siempre un punto fuerte y un garante de éxito, sino fuera porque el iluminador del festival se encargó de iluminar con una horrenda luz anaranjada los tres ábsides que tenían a sus espaldas, dándole a todo un aspecto horriblemente kitsch, rompiendo, de esta manera, cualquier posible ambiente espectacular que hubiera podido crearse. A pesar de todo y como la música es, ante todo, música y ha de estar ajena a cualquier tipo de aditivos, pudimos disfrutar de una interpretación absolutamente memorable. Compuesto por 17 voces, cuatro por parte, a excepción de la soprano, con cinco, nos ofrecieron unas versiones muy íntimas y delicadas, aunque de vez en cuando dejaban caer algún que otro fuerte realmente contundente -demasiado, quizá, en algunos momentos-, no obstante, la ternura y limpieza con que interpretaron la mayoría de los pasajes hizo que me olvidase de aquel detalle. El coro sonó absolutamente empastado, tanto, que en la obra de Palestrina, a doble coro, cada uno de los coros sonaba absolutamente igual al otro, lo que hacía prácticamente imposible distinguirlos, sino fuera por el espacio amplio que los separaba. Pero el empaste no fue su única virtud: una afinación impresionante, expresividad fantástica, una dicción más que buena -más tratándose de ingleses cantando en latín-, un equilibrio magnífico, a pesar de que en algunos momentos de la primera parte eché de menos algo más de bajo -como casi siempre, pues los coros ingleses centran más su atención en las partes altas del conjunto-, un color precioso en todas y cada una de las cuerdas, una brillantez exquisita en las sopranos -con ese color casi de voz blanca tan característico- un sonido colocadísimo en la cabeza y abierto en los tenores, una cuerda de altos -compuesta por una contralto y tres contratenores- muy delicada y siempre presente, lo cual no resulta tan habitual como fuera deseable y unos bajos contundentes y firmes, marcando siempre el carácter armónico de cada pieza. En definitiva, un verdadero corazo, con auténtico british sound, que poco o nada que envidiar tiene -si siguen sonando como este día- a los grandes de estos repertorios. Cabe destacar la gran solvencia con que fueron resueltos los fragmentos en los que Short tuvo a bien utilizar una sóla voz por parte para recalcar algunos momentos de la partitura, así como las magníficas intervenciones que tuvieron lugar, de manera individual, en cada uno de los cantos interresponsoriales en canto llano. Ya había presenciado un concierto de este conjunto, hace tres años y recuerdo que en aquella ocasión me quedé con un magnífico sabor, pero había que tener en cuenta que en aquella ocasión contaban entre sus filas con varias voces muy, pero que muy experimentadas en estos asuntos, verdaderos pesos pesados en Inglaterra y en esta ocasión se han presentado con un conjunto totalmente renovado, con la juventud por bandera –era realmente impresionante observar la media de edad de los integrantes- y que consiguieron sonar como uno sólo, auténticamente unidos. A pesar de ser partidario de interpretaciones más reducidas en el número de componentes -el uso de dos voces por parte es el que considero más adecuado para estas lides- he de admitir que el resultado obtenido por estas 17 voces fue absolutamente impresionante y tan sorprendente, que pasados tres días desde aquel momento, aún estoy intentado reponerme y dar crédito a lo que presencié.

La dirección de Nigel Short, como cabía esperar, fue absolutamente magnífica: una técnica bastante depurada, con un estilo elegante, bastante detallista, en cuanto a entradas se refiere, marcando bien las ideas que quería transmitir… todo lo bueno que cabe esperar de alguien que conoce bien tanto el repertorio renacentista (por su trabajos con The Tallis Scholars o The King’s Singers), como contemporáneo (sobre todo con estos últimos). Me quedo con dos detalles de su dirección: 1.- La pequeña licencia, quizá no muy histórica, eso sí, que se tomó al marcar ciertos ritardandos y tenuti para disfrutar y recalcar las diversas y extraordinarias disonancias que había en algunas piezas, sobre todo en la primera parte; 2.- La manera que tuvo de contener al público al finalizar cada obra, para dar esos segundos que la música necesita para dar su última palabra y esfumarse, evitando así esos molestos aplausos que el público tiende a emitir antes de que la música haya desaparecido.

En definitiva, un concierto absolutamente memorable, en el que disfruté como hacía tiempo que no disfrutaba, pues aunque hubo quien vio en estas obras algo absolutamente soporífero y sufrió para aguantar del principio al fin -si bien es cierto que para este tipo de conciertos hay que estar algo curtido en estas lides-, la absoluta belleza, armonía y sinceridad que hallé en aquellas obras y la total sublimación a la que fueron elevdadas por aquellos jóvenes cantantes, como en muy pocas ocasiones he podido escuchar, hicieron que hubiera momentos auténticamente mágicos, emocionantes y dignos de recordar hasta que uno abandone este mundo, volviendo a perderse entre las tinieblas y dejando aquella luz que una vez le iluminó, filtrándose entre estas como si de agua entre los dedos se tratase.

Tomás Luis de Victoria. Responsorio: Una hora.
Álbum: Officium Hebdomadae Sanctae.
La Colombina - Josep Cabré, dirección.
Glossa 2005

Thomas Tallis. Lamentation I.
Álbum: Latin Church Music.
Taverner Consort & Choir - Andrew Parrott, dirección.
Virgin Veritas x2 1999-2003